美术史论文范文（18篇）

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中国美术史教学论文

教学日期：

教学要求：

使学生了解史前美术。

教学重点：彩陶。

授课过程：

第一章史前美术。

第一节概述。

史前美术的概念是指没有确切文字历史记载之前的历史。这是一个相当漫长的历史空间。目前学术界较为通行的分类方法是将其划分为旧石器时代和新石器时代。就现有的出土文物来看，宽泛意义上的美术已初见端倪。旧石器时代的美术主要体现于这一时期所使用的石器工具上。新石器时代的美术则转向了器用。陶器的发明，在实用性的前提下，发展了美的造型和装饰。所以新石器时代的美术绝大部分都与陶器的发展密切相关，这时期的绘画和雕塑也在陶器的造型和装饰上得到表现。另外，岩画、地画、壁画、玉石雕刻等工艺也得到了发展。

第二节时代分期和主要遗址。

目前我国所知出土有古人类化石和旧石器文化遗物的遗址大约有两百多处，下面仅介绍其中较为重要部分：

旧石器时代早期。

山西城西侯度文化遗址，距今约180万年，是中国最早的旧石器时代遗存，发现有石器工具、动物化石和火烧遗迹。

云南元谋人文化遗址，距今约为170万年，发现有中国已知最早的人类化石以及石器工具、动物化石和火烧遗迹。

此外，河北阳原小长梁、东谷坨文化遗址，距今约100万年；陕西蓝田公王岭蓝田人文化遗址，距今约100万年；北京周口店龙骨山北京人文化遗址，距今约70万年~20万年，均发现有人类化石、石器和火烧痕迹。

旧石器时代中期。

山西襄汾丁村人文化遗址，距今20万年，发现有人类化石、石器工具和动物化石。

陕西大荔甜水沟大荔人文化遗址，距今10万余年，有人化石、石器工具和动物化石。

山西阳高许家窑人文化遗址，距今19万余年，有人类化石、石器工具，骨角器和动物化石。

旧石器时代晚期。

辽宁海城小孤山文化遗址距今4~2万年；山西朔县峙峪人文化遗址，距今2.8万年；宁夏灵武水洞沟文化遗址，距今2.5~1.6万年；北京周口店龙骨山山顶洞人文化遗址，距今1.8万年等等，均发现有石器工具、骨角器、装饰品和动物化石。

中国的新石器时代大约起始于公元前8000年，一直延续到公元前左右。已发现的新石器时代文化遗址达7000多处，它们的文化面貌多样，内涵丰富，各有鲜明的地方特色，大体上可以分为以下4个区域：

黄河流域。

早期的新石器时代文化遗址主要集中于河南中部的裴李岗文化，约公元前5500~前4900年；河南北部的磁山文化，约公元前5400~前5100年和主要分布在渭河流域的.大地湾文化，约公元前5200~前4800年。

中期主要一在黄河中游分布甚广、延续时间久长的仰韶文化（约公元前5000~前3000年，分为半坡类型和庙地沟类型）为主，还有黄河下游的大汶口文化（月公元前4300~前2500年）。

属于晚期的有黄河上游的马家窑，约公元前3000~前2050年，按其发展顺序可分为石岭下、马家窑、半山和马厂4个类型。它与仰韶文化有一脉相承的继承发展关系。

长江流域。

早期主要有河姆度文化（其下层文化约为公元前5000~前4600年）和马家滨文化，约公元前5000~4000年。

中期主要有分布于长江中下游的大溪文化，约公元前4400~前3300年，和长江下游地区的北阴阳营文化，约公元前4000~3300年。

晚期以继承马家滨文化发展而来的良渚文化为主，约公元前3300~前2250年，还有屈家岭文化约公元前3000~前2600年。

华南和西南地区。

早期有仙人洞一期文化（发现于江西万年仙人洞，约公元前6800年）和广东粤西地区的阳春独石寨，封开黄岩洞等。

晚期文化遗址分布较广，主要有石峡文化、山背文化、凤鼻头文化等等。广大的华南地区西南地区，存在着面貌多样、相互关系复杂的新石器文化。

北方地区。

早期的新乐文化（发现于辽宁沈阳新乐，约公元前5300~前4800年）分布于辽宁东南部，中期的红山文化（发现于内蒙古赤峰红山，约公元前3500~3000年）分布于辽宁、内蒙古和河北交界地区。

到新石器时代晚期，各地文化类型有相互交流、影响以至融合统一的趋势，而中原地区文化的先导地位也日益突出。

中国美术史教学论文

摘要：中国美术历史悠久,各类繁多,有其独特的艺术风格。艺术家们受到文化、地域、时代、生活等影响造就丰富的中国美术。中国美术有一个很基本的特点是人生而美术,其基本原则是观照人本身,主要为人身心服务,同时融入宗教信仰、思想等。通过分析中国美术特征对美术教学进行思考,期待更好的将美术成果运用到美术教学中去。

美术源于生活又高于生活,它是社会意识形态的一种,由社会生活决定和制约,并且还会反作用于生活。归根结底美术是为人服务的,美术通过美术作品、大众接受及美术本身的形式等作用于社会生活,同时美术本身发展和美术创作也对其自身起到积极作用,形成一个自给自足的循环体系。

中华民族文化历史悠久,中国美术以中华民族历史文化作基础,不断发展不断壮大,形成自己独特的民族风格,富有强大生命力和美好辉煌的未来。展现出中国艺术强大的生命力和光辉未来。中国美术历史源远流长,它不仅包括绘画、工艺还有雕刻和建筑等,并且中国美术还具有自己独特的传统体系这与西方美术有很大不同。

从社会公众角度出发中国美术有一个很基本的特点是人生而美术。中国美术基本原则是观照人本身,主要为人身心服务,同时融入宗教信仰、思想等等。美术概论里面的“成教化,助人伦”的概念就是这一体现,美术作为一种社会意识形态发挥了它的社会功用价值。“逸笔草草”“写胸中意气”强调艺术家的情感抒发,具有审美娱乐功能并且通过美术作品使人们得到心灵的愉悦放松。无论是中国画中的气韵生动、外师造化,中得心源,建筑的和谐安详,还是书法中的万物有灵,这些都是强调以人为主要前提的。中国人非常重视人本身,不骄不燥、喜欢和平内敛,注重个人修养。中国美术注重表达人生态度追求人生价值,体现中国画的精神内涵。中国美术融入宗教和哲学思想,很多美术作品主题为人与自然和谐相处。它受儒学影响以人为本,追求真善美。道教的“天人合一”也影响了很多著名画家。中国画讲求“气韵生动”“以形写神”“形神兼备”“似也不似之间”“传神写照/迁想妙得”。

二、中国美术蕴含的精神价值。

中国美术影响广泛,承载着生命气息,无论是美术理念还是美术作品都要充满生的动力。

为人生而美术是指中国美术具有创造守候生命的艺术精神,从人的生命/人格及心灵等方面来关照。首先,中国美术承载人的生命力量与意义。中国画里面的写生充分体现这一观点。什么叫写生,就是对照实物进行绘画,从词源意义上说,写生是因为五代时期的画家腾昌v“工画而无师,惟写生物”而来,写生不仅仅是对照实物去描绘,更是需要画家看到描绘对象的的状态生命力量,这就是生的意义所在。

从古代的美术作品中我们可以看到人们对生殖对生命的信仰。传统美术作品中充分体现的人们对的生态度,那就是子孙万代、生生不息。在原始时代有很多丰乳/肥臀、大肚的女性造像,些造像其实就是当时人们对生殖崇拜的一种体现。被中国美术作品呈现出来的还有中国民间很多象征性的生命符号。例如:连年有鱼、鱼莲生子、石榴百子、葫芦生子等象征生子的美术作品形象。还有最常见的中国人结婚时的早生贵子,后面的观音送子、老虎头的鞋等等无论是以绘画形式还是刺绣形式又或是雕塑形式,都要是在表现美术的生命力量与意义。

其次,中国美术富含人的理想与品格。中国人在追求了基本的存在后,对生命的力量及意义进行探究,并且把生命的意义及内涵提升到人的品格上,并给予分级。为此,中国美术总是具有以人格衡量审视品评美术行为与作品的观念与行为特点。例如几岁孩童都知道的“四君子”和“岁寒三友”。梅花是我国的传统名花之一。人们赋予梅花“雪中高士”把其人格化了。范成大在“梅谱前序”中说到:“梅为天下尤物,无问智、愚、贤、不肖、莫敢有异议。学囿之士,必先种梅,且不厌多,他花有无多少,皆不系轻重。”还有咏梅蕴含着古代文人的人格意识。更有很多人以梅为名以梅自号。可见梅花孤标姿态/品格风流得到人们的认同,受到历代文人的喜爱。除“梅兰竹菊”外还有古人喜画荷花,荷花也入诗也入画,一直以来都是文人墨客吟诗作画的题材之一。荷花具其独特的审判意象,承载着我们的精神寄托有着深厚的文人情怀。人们赋予荷花清香纯洁淡雅的品格,有“出淤泥而不染,濯清涟而不妖”的品格。古代都是把人品和作品联系在一起的,无论书画作品还是书法作品还是雕刻等等都要承载着人的追求理想人格的精神内涵,画如其人就是这个意思。

最后,中国美术承载丰富的生命情感。中国画讲究“妙在不似之似之间”。黄宾虹说:“绝似物象者与绝不似物象者,皆欺世盗名之画,惟绝似又绝不似于物象者,此乃真画”。中国美术承载的生命情感让作品升华。东汉时期的《马踏飞燕》自出土以来被视为中国青铜艺术的奇葩。马踏飞燕运用浪漫主义手法烘托出了骏马矫健的英姿和风驰电掣的神情,以人们以丰富的想象力和感染力,既有这也是中国力的感觉,又有动的节奏。还有这一时期的《击鼓说唱俑》,特点一目了然,诙谐/幽默,形象生动具有很强的感染力。中国美术承载丰富的生命情感,生动/丰富/有感染力。

无论是中国画还是雕塑还是书法等待都充分发挥和体现人的人生价值与意义,为人生而美术是中国美术正流。中国美术为人生而美术的理念也让我在教学方面得到很多启示:。

(一)引导学生多观察、多实践、身临其境、从心出发。注重写生,让学生从内心情感出发去体会。给学生更多的实践机会,增强学生绘画热情和自信心。面对真实的描绘对象,从中找到自己感兴趣的点,促进学生观察能力和感悟能力的提高。吴作人先生提出“艺为人生”的.观念,他认为艺术是与社会生活密不可分的,随时代的发展而发展,是不能脱离现实的,是能够让人理解的,是人世之作。他在提倡教学与社会结合,与创作结合。所以要让学生融入生活,体会生活,多写生。可以是对同一物象不同视点的观察,也可以是不同时间的观察体会,也可以是不同地点同一物象的观察描绘。让学生有一个基本的观察分析能力,提高审美能力。

(二)让学生寄情予画,给自己的画带来生命活力。学生在创作时有一个基本要求应该是符合自然,抒发情感。因为学生的性格各不相同,有的张扬,有的内敛,有的安静,有的活泼,所以每个同学表现在画中的状态一定不同。学生看到同一物象或经历同一事件的感受是不同的,需要认真体会通过作品表达出来。古人言绘画妙在似与不似之间,不能只要求学生画的像,关注更多的应该是感受,感觉像才是对的,这对学生形成自己的独特风格很重要。不可以让学生只停留在技法上,这样只会是图片复制,没有意趣。重点要做的是需要让学生理解感觉像才是对的。

(三)分析大师作品,体会大师作品中的巧妙构思与情感表达,提高学生审美能力。这样学生在自己的创作时就会发挥其审美力,提高作品的格调。

四、结语。

中国美术丰富多彩,在教学中要把握为人生而美术的整体方向,对学生进行实践引导,师法自然寄情于景。引导学生内外兼修提高学生品格,提高学生审美能力使学生真正学到美术的真理,使中国美术在光辉的道路上继续发光发亮。

参考文献。

[1]翁振宇美术教育概论[m].北京:中国美院出版社,.

[2]吕品田.中国美术发展战略研究[j].美术家通讯,2008.

[3]黄冬富.艺术与人文教育:上册[m].台北:桂冠图书,.

中国美术史教学论文

舞蹈史作为高校舞蹈专业的一门专业必修课，其主要目的是使学生了解中外舞蹈的发展概况，开阔学生艺术视野，同时培养学生创新思维、发现问题、分析问题和解决问题的能力。然而，由于种种原因导致高校舞蹈专业的舞蹈史论教学或多或少地存在教学方式单调、学生学习积极性低下等诸多问题，这些问题导致教师教学效果不好，不能有效达到本门课程的教学目的。

一、舞蹈史论课的教学思想。

教师只有明确了自己的教学思想，才能够在教学思想的指导下选择适当的教学方法进行备课和授课。好的教学思想有助于教学计划的制定和教学方法的选择，对教学目标的实现有指导性作用。在舞蹈史论课的教学实践中，应根据教学目的来制定教学思想，舞蹈史论课的教学思想是：通过该门课的教学，使学生了解舞蹈在不同的历史发展阶段所呈现出的特点，把握舞蹈发展变化的规律，提高学生的专业理论修养，从本源上理解舞蹈动作的意义，为舞蹈实践课的学习添砖加瓦。

二、舞蹈史论课的教学方法。

目前，高校舞蹈史论课的教学往往采取照本宣科的讲述式教学方法，把相关知识直接灌输给学生，其最终结果是学生对该门课程不感兴趣，课堂氛围不活跃，课后学生不知道自己学到些什么，感到茫然。要改变这种状况，我们在教学方法的选择上就必须把握该课程的教学思想，将教学内容通过恰当的方法呈现给学生。在教学中，教师应根据学生的知识储备，结合与专业相关的其他知识进行教学，在教学中扩散知识面，并根据授课内容选择多样的使教学方法，使课堂气氛活跃。只有这样才能使学生愿意学，且能真正学到有用的.知识。

（一）与舞蹈艺术概论基础知识结合。

在舞蹈史论的教学中会涉及很多舞蹈专用词语，比如“舞蹈特性”“舞蹈结构”“舞蹈语言”等等，如果学生没学过舞蹈艺术概论，或对这些词语不理解，则会对教师所讲的内容理解不清楚。

（二）与学生的专业实践课相结合。

舞蹈专业的专业实践课有芭蕾基训，古典舞基训，古典舞身韵，民族民间舞和剧目排练等等，不管什么实践课，其基本构成要素都是舞蹈动作和舞蹈风格。舞蹈史论课的教学思想之一便是让学生了解不同时期舞蹈的风格及特点。

（三）与代表性经典作品赏析相结合。

舞蹈是一门以视觉为主，视、听综合的艺术，舞蹈史论的教学离不开相关舞蹈作品的赏析，通过赏析代表性舞蹈作品或片段，学生能够更加直观、形象的了解所学某时期舞蹈的特点，同时还能调整课堂气氛。、与赏析相结合，并不是单纯的给学生放视频就可以了，应该在放视频前给学生讲为什么选择这个作品给大家赏析，这个作品是根据那一时期那种舞蹈创作的，并给学生提出问题如这个作品有哪些特点及特色，其代表性动作是什么，舞蹈作品的队形有什么特点等等，让学生带着问题去赏析作品。在赏析结束后，与学生进行互动讨论，找出问题答案，并让学生模仿视频中的典型舞蹈动作姿态，即兴创作几个八拍的小组合，这样不仅可以活跃课堂气氛、加深学生对某时期舞蹈特点的印象，还可以开发学生的舞蹈编创意识，这就使舞蹈史论课的知识传授有意无意地与舞蹈编导课的学习进行一定的结合。

三、舞蹈史论课的教学模式。

教学模式是一门课的教学活动结构框架和活动程序，任何教学模式都是以教学思想为指导围绕教学目的进行构建的。围绕着舞蹈史论课的教学目的，我采取的教学模式是“复习d进新课―提出问题d讨论d总结”。由于舞蹈是论课中需要学生理解和记忆的知识量较大，在进新课的过程中，为使学生更好的理解所学的知识，教师必须根据不同知识点的需求采用不同的教学方法主动引导学生进行学习、思考，使学生能够主动发现问题、解决问题；之后引导学生就相关问题或知识点展开讨论，最终通过总结使学生可以从宏观上把握某一时期舞蹈的特点。

四、舞蹈史论课的教学内容。

高校舞蹈本科专业的舞蹈史论课教学内容主要包括中国舞蹈史和西方舞蹈史两部分。由于课时量的限制，所有内容不可能一概而论，这就要求我们在制定教学大纲、选择教学内容时不应局限于某本教材，而应考虑到其他专业课程的设置情况，只有这样才能在有限的课时量内最多的交给学生所需要的舞蹈史论知识，并使他们可以学以致用。

除此之外，一堂课的成功与否与教师的备课有着重要的关系，舞蹈是论课教师在备课的过程中必须备教材、备学生、备教学方法。备教材要求教师必须将教材的内容转化成自己的语言，提取出其中的重难点，用自己的理解去讲授给学生，且不能够仅仅将备课内容局限于教材，应根据教学需要多种途径收集所需资料，为授课内容服务，使授课内容丰富多彩又突出重点；备学生要求教师必须根据学生的学习能力和接受能力来准备教学内容，教学内容不应过深也不应过浅；备教学方法要求教师在备课过程中寻找恰当的教学方法，使教学内容能够引起学生学习兴趣，使学生愿意学习。

总之，舞蹈史论课作为高校舞蹈专业本科生的专业必修课，只有任课教师在教学上不断进行思考改进，才能真正有效地实现该门课作为必修课的教学目的。

中国美术史教学论文

学习了《中国美术史》后，我有了很深的感触，了解了祖国灿烂、悠久的美术史。中国是一个具有悠久的历史文化古国，作为四大文明古国之一，在中国传统美术源远流长，从远古到今留下了丰富的艺术文明。

秦始皇统一了六国，在当时最为著名的艺术作品是秦始皇兵马俑，秦始皇兵马俑有步兵，指挥部，浩洗荡荡的显示了秦皇朝的军事力量，其布局严谨，形象逼真!在变化中有统一统一中有变化!

魏晋南北南北朝时期，由于战乱人们的思想没有寄托时刻，印度的佛教从西部进入了中国于是在后续的文明历史有出现了有关佛教文化的艺术作品：山西大同云岗石窟，河南洛阳龙门石窟，甘肃天水麦积山石窟，焞煌莫高窟等，在魏晋南北朝时期也出现了很多画家有书书法家，分别是陆探微、张僧繇、顾恺之，王羲之，在绘画方面内容由于玄学的出现有描绘自然风景的，有描绘时空的，有描绘神仙故事的等，在技法上其三杰都做不同的贡献尤其是顾恺之首先提出了“传神”的重要性，克服了前代的说教内容的缺点，扩大了题材的多样性。

宋代时文人画的苗头开始探出苗头，其最著名的有风俗画作品张择端的《清明上河图》。

纵观关于形中国美术史发展中国画中对于山和水的描绘并不是基于客观真实的.首先它没有光影效果,实际上就提出了画面的客观立体感.其次,没有焦点透视,空间表现依靠主观的散点透视和纯艺术的形式把握。在中国传统绘画教学中,临摹是主要手段《芥子园画谱》便是把各种物体做了最为主观最为抽象的概括,使之程式化和符号化,山石的皱法有荷叶皱,披麻皱,斧劈皱等不同形式,树叶有“个”字点,圆叶点.都是具有中国传统精神的符号系统.后人学习就从这些符号开始,在符号系统内进行再创造.

关于色中国画没有应用科学的色彩分析法,讲究主观壅塞,大多数就是单色黑白关系.但是这种黑白关系有着很强的新联诗,“运墨而五色具.”“五色”说法不一,或指焦、浓、重、淡、清;或指浓、淡、干、湿、黑;也有加“白”,合称“六彩”的.实际乃指墨色运用上的丰富变化。所谓墨分五色,即黑白关系蕴藏着丰富而抽象的色彩关系.即使青山绿水画也是极为主观的用色而非真实的用色.就连最为写实的工笔画也只是描绘物象的固有色,而不是科学的光影环境色,从理论上说仍是主观的.墨彩中的清而有神.是由其它深浅不同的墨彩衬托出来的。

中国美术史教学论文

《中国美术史教程》,是我大学时的一本教科书，记载着我国很多的美术历史知识，最近利用业余时间又重新读了此书，整理概括了各个时间或朝代中国美术发展状况。现总结如下:中国是世界四大文明古国之一，有着悠久的历史和灿烂的文化。中国美术也同样渊源流长，具有鲜明的民族风格和卓越成就，在世界美术之林中独树一帜。在漫长的的历史年代里，中国人民在美术领域里发挥了聪明才智，知名美术家众多，创作了不计其数的优秀美术作品，许多美术遗迹保留至今，成为中国乃至世界人民的宝贵财富。中国美术的伟大成就，让我们引以为豪。因此，作为一名美术教师，有必要了解中国美术的光辉历史，丰富自身文化修养，培养高尚的审美情趣。并在教学中传授给学生，增强学生爱国主义思想、民族自尊心和自信心。

原始社会的美术主要体现在对石器的制作、使用和装饰品的制作。劳动是从制作工具开始的，制造劳动工具是人类的特点。由于劳动人类才从动物界脱离开来。生存于距今70万至20万年前的北京猿人，经过了漫长岁月的劳动实践，大脑已比较发达，手脚完全分工，右手已相当灵巧，并已产生了有音节的语言。语言的产生和思维能力的发展密切相关，而思维能力则又是艺术创作的前提。北京猿人在石器的制作和使用上，已就积累了不少经验。他们能制作各种不同用途的石器，对造型样式有了一定的认识，初步掌握了一定的造型手段。而距今1万8千年前的山顶洞人的创造活动，除了有较过去精良得多的劳动工具外，还出现了前所未有的装饰品。从鸟骨线纹、穿孔贝壳、孔眼兽牙、染色石串珠这些装饰品中我们可以看出，山顶洞人对已掌握了一定的装饰艺术品的知识和技巧。并有了精神财富的创造，包涵着他们强烈的审美意识。他们对美得若干规律性认识从此产生。

当中国的远古人类跨过了石器时代、金石并用的时代,就迎来了金属时代——青铜时代。以青铜工艺为代表的美术创作是我国古代美术史上的又一个高潮。揭开了中国美术史的新篇章。其中出土最大的青铜器是1939年出土于河南安阳侯家庄的司母戊鼎。此鼎造型雄伟庄严。鼎为长方形，四个柱形足的外侧有突起的兽面，鼎腹中间光洁，四周皆装饰以龙纹组成的兽面纹装饰带。直立的鼎耳上铸有双虎相向而立，中间夹有一浮雕的人头形象，给人以精神上的威慑和压抑。如此精美的青铜器，体现了商代青铜工艺的高超水平。也反映了当时社会、政治、宗教的审美意识和审美观念。

进入了战国时期后,出现了最早的真正独立的绘画作品《人物龙凤帛画》、《人物御龙帛画》。两幅画都有一定的技巧水平。《人物龙凤帛画》画法比较古朴，具有一定的装饰风，而《人物御龙帛画》技巧比较成熟，人物形象准确，神采生动，不仅追求外部形貌的肖似，更注重通过外貌的描写揭示内在的精神气质。体现出了“形具而神生”的理论。此两幅画可以看出我国战国时期人物肖像艺术成就,楚国贵族妇女的基本特征和“楚王爱细腰”的审美时风。也为秦汉绘画的发展打下了良好的基础。秦汉时期的美术作品在壁画、画像石、画像砖、帛画、书法等方面都取得了不小的进步，但让世人瞩目的无疑是秦始皇陵兵马俑。兵马俑的内容包括战车、骑兵、步卒、弩兵等。兵马俑都与真人真马等高或稍高，制作工序复杂，形象多样生动传神，体现秦朝战士的精神风貌。兵马俑阵容庞大，组织严整，巨大的规模和恢宏的气势，是秦王朝国力和武力的象征，是对秦始皇统一伟业的歌颂。高超的写实水平和对人物精神气质的成功塑造充分体现了那一时代雕塑艺术的飞跃发展和进步。

到了隋唐,佛教壁画在艺术上呈现焕然一新的景象。由欢乐明亮代替了阴森血腥,从中可以看出当时的社会现象、宗教思想与人们的愿望。如《净土变》、《药师净土变》等壁画。唐代审美理想一改之前的“清赢示病之容”，更喜“丰腴华贵”。从张萱人物画中,我们可以看到,张萱画的妇女形象丰腴硕体,服饰艳丽,描绘的是盛唐贵妇的欢乐情绪。体现出当时社会生活的丰衣足食，人民生活开心安宁。同时，和平富裕的社会环境促进了精神世界的发展。

到了宋代,文人画风出现,宋代文人画家强调主观感受在笔墨上的流露,都在“笔墨情趣”中披露自己的心境,在技法上注重“写意”,如，苏轼认为绘画不是不要形似,而是认为形似并不是绘画的终极目的,只有神似才是绘画的最高法则。苏轼非常重视构思,注重“意在笔先”。北宋的山水画以高山流水为主体,给予人们的审美感受宽泛、丰满而不确定。南宋，更注重简单化、单纯化的形式,诗意的追求和细节真实同时并举,以简化繁中国艺术的境界美在这里得到了进一步的发展,随着人们的审美观念的转变山水画也在发生着变化。

元代,士大夫画在宋金的基础上有着明显的发展,成为令人瞩目的现象。元朝前期具有一定社会地位的士大夫画家，如赵孟頫，高克恭，商琦等，具有很大影响。也有一些宋朝遗民如郑所难、龚开灯，在绘画中寄托对先朝的怀念，并以曲折的方式表露他们的政治态度，元代中后期在画坛中显露才华的多是遭遇落魄、经历坎坷的文人。创作上以山水花鸟及墨竹、墨梅最为盛行。他们强调文人士大夫的艺术趣味，重视笔墨性能的发挥，以诗文题画成为作品重要的组成部分，使书法、文学、绘画结合为一体。对明清文人画的发展具有直接和重大的影响。

到了明清,画家众多，画派林立，盛况超过前代，绘画在社会上有了很大的普及。文人画仍占主导地位。但民间绘画也非常活跃，年画和版画的成就十分突出。宫廷绘画创作一度表现出振兴的局面。宫廷、民间和文人画艺术有一定的互相渗透和交流。代表画家有：明朝王履、刘俊、李在等。最著名的莫过于“江南第一风流才子”唐寅。唐寅在山水、人物、花鸟画上都有不小的成就。清朝，八大山人最为人所知。其“拙规矩于方圆，鄙精研于彩绘”，“不拘成法，长于水墨，画风朴拙二不作矫饰，笔墨含蓄而沉郁丰富，把写意花鸟画继承发展到了一个新的水平。同时，西方美术开始通过传教士传入中国，清代宫廷有少数外籍画家，他们的创作和画风为某些中国画家所吸收，对民间美术也有一定的影响。真正对西方美术的学习和借鉴在鸦片战争以后。

重读《中国美术史教程》让我收获颇多，在这仅仅陈列了部分美术发展概况，具体情况无法一一陈述。毕竟中国美术博大精深，和中国历史一样源远流长。了解中国美术史的发展，知道中国美术的艺术种源，在教学中让学生感受美术的美、学会鉴赏美术的美。足矣!

美术史论文范文参考

随着国家大力扶持文化创意产业政策的不断加强,美术类人才的需求也日益旺盛,从传统的广告行业,环境艺术行业,服装行业以及新兴的动画游戏行业均表现出旺盛的活力.国家对经济增长的要求,必然导致文化创意产业的蓬勃发展,而那这种发展也会使美术类人才就业前景更加光明.在我国，除一些较大的美术院校外，其他学校的美术史教师多因缺乏而由绘画教师代任，这种现象无法满足对学生的全面教育。美术史的教学需要理论研究者的参与，要以此加强学生的理论修养，更好地为美术创作服务，促进理论与实践的结合。当前一个很普遍的现象是，一个美术学专业毕业生在经过几年的教学实践后完全可以凭个人的能力创建一个美术学系，推动整个学校教学水平的提高。

中外美术史论文[精选]

了解大师，解读大师，对自己的作品也很有帮助。不看好的东西，怎么知道什么是好呢？学习美术史还能让你少走弯路，放眼未来。其实就是我们现在学的思想、技法，也是美术史，都是以前积攒下来的。所以，美术史的学习无处不在。美术史不枯燥。了解历史上不同时期不同地域美术，是很有乐趣的。各种文化的特点啊！文化背景啊！学完就知道为什么某一艺术会出现在特定的时期，而且又有自己的独特风格。我们可以通过学习中外美术史去寻找和发现作品的灵魂，也就是作者的思想感情和审美感受，以提高审美能力、艺术感觉和修养。经过漫长的历史进程，美术的发展也越来越多元化。现代美术与古代美术有着本质的差别，现代的美术更多的带有现代的气息，现代画也十分地简明、易懂；而古代美术却让我们很难理解，以现代人的眼光，我认为古画看上去很难让人产生共鸣，必须与历史结合起来，才有所体会。

学习中美史的时候能深刻的感受到中国文化的精深与宏伟。不论是被后人称道的汉唐鼎盛还是所谓萧条淫糜的两晋两宋，画坛的人才辈出，让我们意识到其实中华文明只是比较内敛含蓄，而他的伟大绝不亚于所谓的文艺复兴的璀璨光华，他的气魄绝对是全人类最宝贵的真典。

中国民间的东西是很有特色的，可以在里面汲取精华，运用到现代的设计当中，做为有中国特色的设计，现在中国在设计方面还是比不过意大利等一些国家，很多有是模仿，没有自己的特点。日本在这点上就做的很好，运用了很多日本特色的东西。所以我们也要充分利用中国的传统文化，使其中华之魂深深的熔铸在我们的设计当中。

学习中外美术史最终的目的就是为其美术创作、艺术设计。结合历史，能使我们更加理解其意境、章法和笔墨，从而为我们的美术创作、艺术设计打下坚实的基础。学了中外美术史，让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂让我学到可如此多的知识。在这课堂上也让我感受到了大学的气息。

姓名：司成月。

学号：0908024024。

班级:艺设（4）班、

西方美术史期中论文

如果谈到古希腊的雕塑，《掷铁饼者》绝对是其中让人们印象最深刻的雕塑作品之一，被誉为“体育运动之神”的《掷铁饼者》是古希腊雕塑艺术古典前期的杰出作品，创作于公元前450年，作者是雕塑家米隆，原作为青铜雕像，现在所见的是罗马时代的大理石摹品。由于米隆对艺术特殊的专研与极大的热忱，从而使得这部作品塑造极为生动，集结了运动员在比赛的过程当中最精华、最关键的时刻。直到今天，我们再看到《掷铁饼者》这部作品，仍然能从其身上看到运动者一系列的运动过程，而这些于细微出见完美的手法，也从一定程度上丰润了整部雕塑的运动旋律。

一、关键字。

掷铁饼者文化背景米隆力与美构图。

要想对《掷铁饼者》这部雕塑作品有足够的了解和鉴赏，我们需要了解一些历史背景：

二、古希腊的文化背景。

用“立体的诗，动态的画，有形的音乐”这样的词汇来形容古希腊的雕塑艺术，似乎无法揭示出它在古希腊文明中的突出地位，也无法全面展示古希腊人的创新精神。但它至少告诉了我们一点，那就是，古希腊的雕塑艺术包含了巨大美感和丰富内涵，充满着创新意识，给人以无限暇想，也使人们恋恋不忘孕育它的文明土壤。在古希腊处处弥漫的民主政治和自由思想是《掷铁饼者》得以产生的社会土壤。在城邦中建立了奴隶制民主政治的古希腊，艺术服务的对象主要是城邦政府和广大公民，并且第一次在人类历史上提出了法律面前人人平等的口号。这就决定了他们的哲学思想和文学艺术都带有平等、民主和以人为本的色彩。希腊公民信神敬神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，把人提高到神的高度加以肯定，这时的神实际上是最有智慧最为健美最有威力而且永葆青春长生不老的人。神性与人性是同样的，躯体也是同样的，即“神人同形同性论”。希腊的艺术最先将人本身奉为艺术的主题，希腊内陆多山，土地贫瘠，但是盛产大理石，为雕刻艺术提供了极方便的物质材料。希腊空气明净，山形明确和谐，气候宜人鲜明的自然界形象使希腊人的头脑习惯于肯定与分明的观念，对未知的世界没有恐惧；温和的自然界使希腊人的精神活泼、心态平衡，因此希腊人没有宗教的迷惘，具有欢乐活泼的本性。他们把最严肃的宗教变得轻松愉快，他们从来不想为了敬神而苦修守斋，战战兢兢地祷告伏在地上忏悔罪过。希腊人认为理想的人物是那些比例匀称身手矫健和擅长各种运动的裸体，崇拜裸体的结果，使雕塑成为希腊的中心艺术。古希腊雕塑创作的素材最早来源于体育锻炼，稍后出现了神像和英雄雕像。希腊民族热爱体育运动，他们的四大运动会，奥林匹克奈美毕提伊斯米都是为了敬神而召开的，他们把体育运动当作与神接近的最好办法，并且规定要为比赛的胜利者塑像，因为胜利者被敬畏地看作是获得了神的法力庇护，为了永保那些上天加恩的灵迹，胜利者便委托当时最负盛名的雕塑家制作自己的雕像。所以雕塑家们热衷于出入各种运动场所，细心观察运动员的形体和运动中的瞬间动作。据记载，米隆作为雅典著名雕塑家，参加了大量的运动会。《掷铁饼者》应该是古希腊体育运动的产物，该作品也无疑是时代精神的产物。

三、关于作者米隆。

米隆生于公元前492年，公元前5世纪到公元前4世纪古希腊杰出的雕塑家，艺术活动主要于公元前472年到440年间。米隆大概在20岁时到阿基列达斯门下学习，而艺术成熟于40岁左右。他擅长以青铜为材料的雕塑，能巧妙而准确地表现人物在运动中的正确姿态，塑成形神俱真的动物。传说他为雅典城堡塑造的青铜牡牛雕像，由于乱真而招惹成群的野狼；他雕刻的马，竟引起真马的嘶叫。可惜的是米隆所有的雕刻原作都没有保存下来，现在所看到的仅仅是后来罗马匠师模制的大理石复制品。他的主要活动时期在公元前5世纪中叶。米隆的突出贡献在于他使希腊雕塑最终摆脱古拙的样式而确立古典风范。

关于米隆所作的《掷铁饼者》最精准的评价就是“力与美的结合”：

四、《掷铁饼者》的力与美。

首先我们想提到的是《掷铁饼者》的“力”。“力”在这个雕塑当中实际上是有很多表现的：运动员的整个身体是紧凑的，也就是整个雕塑给人一种“聚”的感觉，但右手的手臂是张开的，这又恰恰体现出了一种“舒展”的感觉，也就是说，“紧凑”和“舒展”这本来矛盾的特点在这个雕塑当中非常和谐的融汇到一起，这种矛盾和反差恰恰就会产生美的效果。我们可以看到的另一个特点就是运动员的肌肉比较发达，但这种发达却又不是“肌肉男”的类型，他的手臂不是为了投掷铁饼而特意锻炼的，他的整个身形很是匀称，明显是身手非常矫健敏捷的人。这种体型的人也是最具有运动美感的。而且米隆非常好的刻画出了运动员在这一瞬间当中不同部位的肌肉的收缩，使得他的肌肉轮廓非常分明，尤其对两只手的刻画非常到位。运动员的右手紧握铁饼，同时左手也处于一种扣紧的状态，这一处细节处理的是很精妙的，因为一个处在全身紧张状态的运动员的各个部分都会不自主的紧张起来，当然包括手，如果左手是张开的，那显然是不够真实的。左手作为右手的对称，在右手紧握铁饼之时，左手也会相应的收紧。另一个“力”的体现可以称之为“蓄势”。运动员的整个身体有多处的扭动，最大的扭力当属从腿部开始的，到腰再到上半身的蓄力。运动员就像弹簧一样被压缩，积聚起势能，随时准备迸发。这种“引而不发”的状态，勾起了观赏者的联想，给其造成一种雕塑立马要投射与动感的错觉，这充分将米隆运用到作品当中的独特构思与匠心独运展现了出来。在这准备的一瞬间，我们就能从中感受到整个运动的过程。它将生活多变性特点反映到了极致。在这部作品当中，也就是一个动态即将转变为另一个动态的过程。同时我们也可以观察到许多小的扭动，比如运动员脖子的扭动，右手手臂的扭动，左小腿的扭动，这些都是为了与大的躯干的扭动相协调，也能够给人真实的、美的感受。

其实我们从“力”上已经能看到许多美的方面，但如果单从“美”的角度去看的话，仍然是有许多可以鉴赏的地方。对于任何一个人物像来说，比较完美的人体比例是一尊人物像看起来“美”的基本要素之一。而在《掷铁饼者》这尊雕塑当中，我们可以看到运动员的上身长度、手臂长度、腿的长度是有非常好的比例关系的。

《掷铁饼者》原图见图1：

图1另外一个需要指出的特点就是运动员的螺旋式造型。这种螺旋式造型在不同的领域都很有美感。在哲学领域，黑格尔曾提出“否定之否定”的哲学观点，来揭示事物的发展规律，其图示化方式就是螺旋上升的图案（见图2）。

图2在生物学当中基因的空间排列是一种双螺旋的图案，给人以动态的美感。（见图3）。

图3螺旋形的结构除了具有美感之外，还具有动态的特征。正是由于螺旋形的动态性，才能够将这一动作表现的淋漓尽致。在运动过程中作者米隆选择了一个转折性的瞬间：运动员为投掷而大幅摆动双臂、快速旋转身躯。他的身体运动已达到极限，在下一个瞬间他就要掷出铁饼。作者抓住的这个瞬间概括了掷铁饼这一动作的整个过程，显示了运动员最典型的姿态。这个掷铁饼人的双臂张开，仿佛一张拉满的弓，加强了观众对于铁饼就要被飞速掷出的联想；铁饼和运动员头部的两个圆形左右呼应，支撑身体的右腿如同轴心，使大幅弓起的身体保持平衡。这样的构思设计显示了米隆的艺术匠心。这是一个非常难处理的动作。作者能在构思和塑造上达到如此完美的程度，显示了他对于人体结构知识的极度熟悉和高超的雕塑技巧。同时我们也可以知道，作者所在的那个时代的艺术风格是怎么样的：那是追求一种健美、庄重、和谐，洋溢着青春活力的美。

另一个细节是运动员生动的面部表情。米隆通过对投掷者面部表情的塑造，从侧重展现了运动员的高度镇静，折射了他对于比赛获胜的信心。其面部表情同肢体的紧张形成了鲜明的对比，而正是这种矛盾的存在，和谐地将雕塑的戏剧性推向了高潮，将投掷者身躯当中那种精神活力与生命力量自然流淌出来。他将着眼点放在了运动最有力、最激烈的那一瞬间，运动者完美的形象翩然浮现，集中突显出了运动者的神态与意志。

对称也是人体美的一个重要因素。人体的形体构造和布局，在外部形态上都是左右对称的。比如面部，以鼻梁为中线，眉、眼、耳都是左右各一，两侧的嘴角和牙齿也都是是对称的。身体前以胸骨，背以脊柱为中线，左右乳房，肩及四肢均属对称。倘若这种对称受到破坏，就不能给人以美感。但是对称是相对的，不可能是绝对的。人体各部分假如真的绝对对称，那就会反而失去生动的美感。而在《掷铁饼者》这件雕塑作品中，并没有像以前的雕塑一样从竖直或者水平方向追求高度的对称，而是在斜向将人体的对称美诠释出来。这种对称方式反而会给人以生动活泼的感觉，给人动态的美感。（见图4）。

图4最后但仍然非常重要的一点，我们可以从图5看到：

图5《掷铁饼者》的线条结构是这部作品成为经典的关键因素之一。从图中可以看到，运动员的整体动作是由两段圆弧的交叉呈现出来，这种大的线条结构会从整体上给人以美感，而铁饼和运动员的头部所构成的两个小圆又分别贴于两个大圆弧内，当我们将线条抽象出来的时候就会发现这种构图形成了两个大圆弧和两个小圆高低错落的形态，本身就是很具有美感和动感的图形。

五、结语。

在古代希腊文明中最突出的成就之一是雕刻艺术，在世界艺术史上占有重要的地位，其中尤以人体雕刻最为突出，它又是和希腊人的宗教观念、体育锻炼密切相关。古希腊雕刻，特别是古典时期和希腊化时期的雕刻，其共同特点是追求一种和谐的理想美。它的突出成就集中体现在人像雕刻，特别是人体雕刻上。《掷铁饼者》就是那个时代那种艺术风格的最佳表现。而《掷铁饼者》也不仅仅是一件雕塑作品，他是一种体育精神的延续，几千年后的我们仍然能从当时的伟大雕塑作品中体会到体育的拼搏精神，体会到蕴含在体育中力与美结合的震撼。

美术史论文范文

舞蹈史作为高校舞蹈专业的一门专业必修课，其主要目的是使学生了解中外舞蹈的发展概况，开阔学生艺术视野，同时培养学生创新思维、发现问题、分析问题和解决问题的能力。然而，由于种种原因导致高校舞蹈专业的舞蹈史论教学或多或少地存在教学方式单调、学生学习积极性低下等诸多问题，这些问题导致教师教学效果不好，不能有效达到本门课程的教学目的。

一、舞蹈史论课的教学思想。

教师只有明确了自己的教学思想，才能够在教学思想的指导下选择适当的教学方法进行备课和授课。好的教学思想有助于教学计划的制定和教学方法的选择，对教学目标的实现有指导性作用。在舞蹈史论课的教学实践中，应根据教学目的来制定教学思想，舞蹈史论课的教学思想是：通过该门课的教学，使学生了解舞蹈在不同的历史发展阶段所呈现出的特点，把握舞蹈发展变化的规律，提高学生的专业理论修养，从本源上理解舞蹈动作的意义，为舞蹈实践课的学习添砖加瓦。

二、舞蹈史论课的教学方法。

目前，高校舞蹈史论课的教学往往采取照本宣科的讲述式教学方法，把相关知识直接灌输给学生，其最终结果是学生对该门课程不感兴趣，课堂氛围不活跃，课后学生不知道自己学到些什么，感到茫然。要改变这种状况，我们在教学方法的选择上就必须把握该课程的教学思想，将教学内容通过恰当的方法呈现给学生。在教学中，教师应根据学生的知识储备，结合与专业相关的其他知识进行教学，在教学中扩散知识面，并根据授课内容选择多样的使教学方法，使课堂气氛活跃。只有这样才能使学生愿意学，且能真正学到有用的.知识。

（一）与舞蹈艺术概论基础知识结合。

在舞蹈史论的教学中会涉及很多舞蹈专用词语，比如“舞蹈特性”“舞蹈结构”“舞蹈语言”等等，如果学生没学过舞蹈艺术概论，或对这些词语不理解，则会对教师所讲的内容理解不清楚。

（二）与学生的专业实践课相结合。

舞蹈专业的专业实践课有芭蕾基训，古典舞基训，古典舞身韵，民族民间舞和剧目排练等等，不管什么实践课，其基本构成要素都是舞蹈动作和舞蹈风格。舞蹈史论课的教学思想之一便是让学生了解不同时期舞蹈的风格及特点。

（三）与代表性经典作品赏析相结合。

舞蹈是一门以视觉为主，视、听综合的艺术，舞蹈史论的教学离不开相关舞蹈作品的赏析，通过赏析代表性舞蹈作品或片段，学生能够更加直观、形象的了解所学某时期舞蹈的特点，同时还能调整课堂气氛。、与赏析相结合，并不是单纯的给学生放视频就可以了，应该在放视频前给学生讲为什么选择这个作品给大家赏析，这个作品是根据那一时期那种舞蹈创作的，并给学生提出问题如这个作品有哪些特点及特色，其代表性动作是什么，舞蹈作品的队形有什么特点等等，让学生带着问题去赏析作品。在赏析结束后，与学生进行互动讨论，找出问题答案，并让学生模仿视频中的典型舞蹈动作姿态，即兴创作几个八拍的小组合，这样不仅可以活跃课堂气氛、加深学生对某时期舞蹈特点的印象，还可以开发学生的舞蹈编创意识，这就使舞蹈史论课的知识传授有意无意地与舞蹈编导课的学习进行一定的结合。

三、舞蹈史论课的教学模式。

教学模式是一门课的教学活动结构框架和活动程序，任何教学模式都是以教学思想为指导围绕教学目的进行构建的。围绕着舞蹈史论课的教学目的，我采取的教学模式是“复习d进新课―提出问题d讨论d总结”。由于舞蹈是论课中需要学生理解和记忆的知识量较大，在进新课的过程中，为使学生更好的理解所学的知识，教师必须根据不同知识点的需求采用不同的教学方法主动引导学生进行学习、思考，使学生能够主动发现问题、解决问题；之后引导学生就相关问题或知识点展开讨论，最终通过总结使学生可以从宏观上把握某一时期舞蹈的特点。

四、舞蹈史论课的教学内容。

高校舞蹈本科专业的舞蹈史论课教学内容主要包括中国舞蹈史和西方舞蹈史两部分。由于课时量的限制，所有内容不可能一概而论，这就要求我们在制定教学大纲、选择教学内容时不应局限于某本教材，而应考虑到其他专业课程的设置情况，只有这样才能在有限的课时量内最多的交给学生所需要的舞蹈史论知识，并使他们可以学以致用。

除此之外，一堂课的成功与否与教师的备课有着重要的关系，舞蹈是论课教师在备课的过程中必须备教材、备学生、备教学方法。备教材要求教师必须将教材的内容转化成自己的语言，提取出其中的重难点，用自己的理解去讲授给学生，且不能够仅仅将备课内容局限于教材，应根据教学需要多种途径收集所需资料，为授课内容服务，使授课内容丰富多彩又突出重点；备学生要求教师必须根据学生的学习能力和接受能力来准备教学内容，教学内容不应过深也不应过浅；备教学方法要求教师在备课过程中寻找恰当的教学方法，使教学内容能够引起学生学习兴趣，使学生愿意学习。

总之，舞蹈史论课作为高校舞蹈专业本科生的专业必修课，只有任课教师在教学上不断进行思考改进，才能真正有效地实现该门课作为必修课的教学目的。

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美术史论文字范文

摘要：中西方传统文化的差异作用于中国美术史的研究，表现出不同的特点。新的时代背景下，面对各种新的史论课题，中国美术史的研究更应该了解和借鉴西方的研究思想和方法，把美术史研究的现代观念融入进来。

关键词：文化差异；思维方式；学术分科；身份；造神模式。

一、中西方文化差异。

首先中西美术史研究的差异性，根本的是文化的差异导致。西方崇尚理性哲学，而中国思想以儒道释为主要代表。其中禅宗讲究：不利文字、得意忘言；儒家“天人合一”等思想，映照了中国的传统思想追求。在宗教观上，西方认为宗教是文化语言、精神方向，比种族更重要；中国的宗教非常世俗化，在近现代社会革命中建立无神论之后，事实上我们更加容易自己“制造”无数的“神”。这也是中国传统思想影响的一种体现。

二、学术分科的传统。

中国古代历来不分科的学术传统，导致了一种“模糊”状态，中国美术作品的图像库也呈混乱状态。中国的佛xxx认为：“抄写”是一种美德。这种现象在中国古代的书画界中也尤为盛行。后人多对前人名家的临摹与复制，并仿造其风格进行创作，而且往往并不署名，这也导致原作与摹本流传中，“真与假”的界限更加模糊，加上后人理论著述的“造神”行为，使得对作品真实情况的研究变得更加困难。

中国古代美术史论家和美术家经常变换着自己的身份，或者说是集二者与一身。以董其昌为例，其提出的“南北宗”画论，对中国花坛影响深远。董其昌是著名的书画大家，收藏家，又位居官位，集多种身份于一身。这种状态延续至今，在20世纪中国美术的发展过程中，美术史论家和美术家也经常变换着自己的身份，这或许反映了中国美术的传统。其中表现为几种不同的情况。

一种是双重身份的兼备。即美术史论家兼画家，或画家兼美术史论家，这一部分人较多，特别是国画界的居多。

一种是身份的转换。原来是画家或雕塑家，后来成为专业的美术史论家；或原来是美术史论家，后来成为专业的画家。

三、中国美术史中的造神模式。

种种的问题也导致了目前中国美术史研究的困境。“英雄主义情节”和“神话色彩”在中国美术史的研究中屡见不鲜，对艺术家的研究容易落入“神仙模式”。中国在艺术上讲究游“戏”，而不重“术”（美术），遵从“乐趣”即价值的观念。这种独特的思想导致中国美术史的研究与西方相比，在观念和方法上有很大不同。

传统美术史方法论上英雄美术史观，其主要特征是用神话传说解释美术的起源和以线性发展的历史观描述美术史。

中国美术史“造神”模式：

二王（找代表）皇家装点（政府操作）正统地位文人神化“书圣”。在这种操作模式中造假不可避免，并贯穿在艺术品的收藏和理论的建设中。

四、西方在中国美术史研究中的进步性。

西方近现代的史论学术的发展，受其哲学、心理学、语言学、社会学、考古学等等突飞猛进的发展所带动影响，自身的学科建设已经远远的走在中国之前。西方的美术史研究具有：讲究理性、学科的界限和跨学科、与经济分开等特点。注重材料学，并与考古学相结合，注重实证，细致入微的考察艺术各个方面的情况。通过实证、材料、环境研究等，更真实的探寻艺术家生存环境条件，从琐碎的细节入手，并将之置于整个时代的文化架构中考察，关照艺术家各个方面的情况，来进行研究。树立更加科学的方法，自然的打破“造神”的美术史书写模式，更希望去发现流派之外，并引领观念的东西。

例如，著名史论家白谦慎的著作《傅山的世界》中，并不是孤立地探讨傅山的书法，而是将之置于整个时代的文化架构中，藉由学术思想、物质文化、印刷文化之发展史的角度，由经历了明清易代之痛的遗民情结的角度。来观察、诠释傅山的生活，以及由之生发的学术观念与艺术创作。

西方的中国美术史界有着许多杰出的人物，如：高居翰(jamescahill)、雷德侯（lotharledderose）、克鲁纳斯（craigclunas）、方闻（fong，wen）、何惠鉴（wai-kamho）、徐小虎（stanley-baker,joan）、李慧闻（celiacarringtonriely）、yukiolippit等。

美术史的研究书写，需要带有情感的去表达我们想要表达却表达不出的东西。这也是其真正的智慧所在。

五、结语。

在新的时代背景下，面对各种新的史论课题，中国美术史的研究更应该了解和借鉴西方的研究思想和方法，需要把美术史研究的现代观念融入进来。这样才能在与“西方”学术界的交往中建立自己的途径。使中国美术史研究，既带有西方实证色彩，又能深入的理解中国艺术精神，或许这样才能逐渐树立中国自己的研究体系，把中国美术史的研究带进新的纪元。

外国美术史论文

第一章：原始、古代美术（从史前到古代罗马三万年）古希腊文明是西方文明的源头。古罗马人是希腊文明的继承者，古罗马人的艺术才能在建筑中得到充分体现.古代希腊和罗马艺术奠定了西方古典艺术传统的基础，也达到了古代美术史的巅峰。

第一节：原始美术。

三：新时期时代美术：巨石建筑。英格兰南部的圆形巨石拦“斯通亨治”。以其雄伟的环形结构、嘴角的庄严肃穆和悲剧性的壮美而引人瞩目。

第二节：古代两河流域美术。

指在近伊拉克境内的幼发拉底河和底格里斯河。古希腊人称之为“美索不达米亚”是人类文明最早的发祥地之一。直到公元前538年被并入波斯帝国为止。分为四个时期：苏美尔--阿卡德时期。古巴比伦时期：汉莫拉比法典亚述时期。新巴比伦时期。

第三节：古代埃及美术一：美术特点：

埃及是古代奴隶制专制国家的典型代表金字塔的社会结构。法老、大臣、平民、奴隶。埃及艺术是为法老和少数贵族服务的，作用是歌颂王权，巩固奴隶主国家的政权，强调等级制度。特点为规模宏伟。宗教对埃及艺术产生了重要的影响。艺术大多为死者服务。埃及艺术形式在3000年间基本稳定不变。总的说是壮丽、宏伟、明确、稳定、有严格的规范，又具有写实基础上的美化————地理位置封闭。与外界隔绝造成了文化发展上的单一状况。二：古王国美术：

第四节：爱琴美术，古代希腊美术。

一、爱琴美术。

二、古代希腊美术。

菲迪亚斯：《命运三女神》。他设计了雅典卫城建筑。创作了卫城中的大量雕刻和装饰浮雕。发展了米隆的成就，在写实方面达到了更高的境地。他追求的是一种理想风格，其作品创造了典雅、肃穆的形象，是古典雕刻的理想典范。

波留克列特斯：《持矛者》。

普拉克希特列斯：《赫尔墨斯与小酒神》4希腊化时期。

《萨摩色雷斯的胜利女神》。《拉奥孔》。

第五节：古代罗马美术。

罗马人是希腊艺术的崇拜者和模仿者希腊艺术主要用于敬神，围绕神庙和祭祀、纪念活动进行创作，带有理想化的色彩。罗马人的艺术则大多数是以给帝王歌功颂德、满足罗马贵族奢侈的生活需要为目的的。

总之，希腊艺术是理想主义的，简朴的、强调共性的，典雅精致的。罗马艺术是实用主义的，享乐的，强调个性的、宏伟壮丽的。

罗马美术的主要成就是建筑。斯洛西姆竞技场。代表了罗马建筑的顶峰。凯旋门是古罗马的主要建筑。

第二章：欧洲中世纪美术（自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的这段时间成为中世纪）文艺复兴时期的意大利人为了反对宗教神权统治，推崇古希腊罗马的文化传统，并认为从罗马帝国覆灭之后到文艺复兴之间的历史是野蛮黑暗的时代，是处于文明与复兴之间的时代，故称”中世纪”。基督教的影响占有统治地位。

第一节：早期基督教美术。

第二节：拜占庭美术。（公元5世纪到15世纪）君士坦丁大帝迁都拜占庭。

第三节：蛮夷艺术和加洛林美术第四节：罗马式美术。

第五节：哥特式美术（意大利文艺复兴学者把12到15世纪之间的艺术称为哥特式艺术。）是中世纪艺术发展的一个顶点。

建筑：最著名的法国巴黎圣母院。意大利米兰教堂（最大的哥特式教堂）。

巴黎圣母院。

米兰教堂。

第一节：意大利文艺复兴美术一：开端。

温布里亚画派。

帕都亚画派。

三：兴盛期（15世纪末到16世纪中叶）。

四：威尼斯画派：

贝利尼：被认为是威尼斯画派的创始人。乔尔乔涅提香。

五：样式主义(是16世纪初出现于意大利佛罗伦萨的艺术风格，后发展到欧洲其他地区，上承文艺复兴下启17世纪的巴洛克艺术。主要流行于16世纪20年代至16世纪末）艺术特点是技巧十分精湛，但追求的是其一刺激的效果，而不是宁静与和谐。样式主义往往采用不符合常理的幻想式构图，喜欢表现裸体。人比例常常是夸张变形的。画面人物众多，但姿势扭曲，迷恋于是用透视法。色彩往往也像画面内容一样光怪陆离，更多地是表现情绪而非只是的自然。主体有时晦涩难明，只有内行的观众才能看得懂。

第二节：尼德兰文艺复兴时期美术。

一、15世纪尼德兰绘画。

康宾与杨.凡.艾克是尼德兰画派的主要奠基人。

二、15、16世纪之交的尼德兰绘画三：16世纪的尼德兰绘画。

第三节：德国文艺复兴时期美术。

第四节：西班牙文艺复兴时期美术一：14至15世纪的西班牙美术。

西班牙文艺复兴的总的面貌是：不同于意大利，他缺乏雄厚的人文主义思想。人文主义不能再西班牙扎根的原因，在于西班牙的王权、贵族和教会势力太大，资本主义发展却又先天不足。由于宗教裁判所的干预，美术中很少有裸体形象，特别是对女性裸体的描绘。从绘画方面看，由于受艺术品订货人所支配，令创作题材集中于两个方面，一是歌颂国王、贵族和帝国历史；二是描绘宗教故事。

第五节：法国文艺复兴时期美术、枫丹白露画派：卡隆。古赞父子。

第四章：

17、18世纪欧洲美术。

第一节：17.18世纪意大利美术。

一：17世纪意大利学院派美术。

由于过分强调法则，所以学院派的画家比较保守，缺乏创新精神。他们的作品的题材也比较狭窄，大都是描绘宗教或者神话，而对世俗生活的题材往往不感兴趣。在技法上比较偏重于素描而轻视色彩，以上这些特点都为古典主义美术的发展奠定了基础。

二：卡拉瓦乔与地方画派。

卡拉瓦乔把目光对准下层，专门画那些被侮辱、被损害者的形象。二是他对自己所处的社会抱有批判和怀疑态度，而他这种怀疑与批判被一些人看做是叛逆的表现，所以人们把他看做是“不合群的人”

三：巴洛克美术的形成与发展。

巴洛克艺术虽然不是教会发明的，但他是为教会服务，被宗教利用的，教会是他最强力的支柱。特点：

1.他有豪华的特点。服务对象主要是上次人物和贵族。2.他具有浓郁的浪漫主义色彩。

3.他具有运动感。运动可以说是巴洛克艺术的灵魂。4.他的表现语言具有综合性。5.他具有浓厚的宗教色彩。

巴洛克艺术大师贝尼尼《阿波罗与达芙妮》。

四：意大利18世纪的美术。

第二节17世纪佛兰德斯美术。

鲁本斯《亚马孙之战》《强劫留西帕斯的女儿》。

他成功的将宏伟豪华的巴洛克风格与尼德兰传统的艺术风格融合起来，形成了装饰性很强的，具有浪漫主义倾向的画风：造型粗犷豪放，色彩炫丽响亮，笔触自由奔放，画面往往有一股澎湃的动势和热血运动的激情。

鲁本斯是以为宫廷画家，也绘有许多宗教题材的作品，主要是面向上层社会的。但综观其艺术生涯，最为可贵的人文主义思想和世俗精神贯穿始终，作品洋溢着感人的生命力，热情讴歌了人的伟大力量和壮美永恒的大自然。他的艺术风格和成就对后世好几代艺术家都产生了巨大影响。

第三节17世纪荷兰美术。

哈尔斯:是荷兰现实主义画派的奠基人《吉普赛女郎》伦勃朗：《夜巡》。

三：荷兰小画派。

1.作品的画幅偏小，适宜于市民阶层悬挂室内以装饰之用。

2.不表现重大的社会题材，特别注重对生活细节的描绘，迎合市民阶层的审美趣味。画面上多表现妇女梳妆打扮、弹琴唱歌、读书写信或做轻微的家务劳动，表现荷兰艺术在蓬勃发展过程中的局限性。格拉尔德.特鲍赫皮特。德。霍赫约翰内斯。维米尔。

四：荷兰风景画与静物画的艺术成就。

米德尔哈尼斯的道路（并木林道）迈因德特。霍贝玛。

第四节17.18世纪西班牙美术。

三、18世纪西班牙绘画。

戈雅的艺术具有鲜明的民族特性、现代性和世纪的历史感。他的民族性表现在深深扎根在西班牙的土地上，有着西班牙画家刚毅的气质。同时，他直接集成了17世纪现实主义艺术的优秀传统。他的现代性表现在画家总是跟着时代前进，用直接独特的艺术语言传达时代的音符。戈雅艺术中的实际历史感表现在他把事实的历史展示给人们看。在描绘社会和历史事件的过程中，他总是爱憎分明，充满了战斗的热情。戈雅是一位战斗的画家，正像有人说的那样：“戈雅他醉心于新的思想，但他又无法逃避这一个病魔的世界。”的确，他的一生都在向这个病魔世界进行斗争。

雕塑当时西班牙雕刻分为南北两派，北派以巴利亚多利德为中心，南派以塞尔维亚为中心。北派代表：乔治。费尔南德斯《哀悼基督》南派：胡。马。蒙塔涅斯。

第五节17.18世纪法国美术。

普桑《诗人的灵感》《萨宾妇女被掠》《摩西遇救》勒布伦在造就法国统一艺术风格方面的作用是无人能比的。

18世纪的法国绘画。

被称为罗可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期。华托布歇佛拉戈纳尔。

夏尔丹在万事崇尚奢华的路易十五时代，他沉穆凝重的静物画愈显纯美动人。

第五章19世纪欧洲及美国美术。

第一节法国新古典主义美术。

安格尔大卫的学生《大宫女》《泉》《小提琴家帕格尼尼》。

第二节法国浪漫主义美术籍里科《梅杜萨之筏》德拉克罗瓦《自由领导人民》。

第三节法国批判现实主义美术。

1848年至1870年是现实主义大放光彩的时候。宗教对于解决当代社会问题的无能无力和科学技术在社会实践中的应用使人们对进步充满石刻的信念，渴望在艺术中看到宗教生活的时代。

库尔贝《奥尔南的葬礼》《画室》巴比松画派。

卢梭《橡树林》为印象派的出现开辟的道路杜比尼。

马奈《苦艾酒的嗜好者》《草地上的午餐》。

莫奈《日出印象》《草垛》《鲁昂教堂》组画《睡莲》雷若阿德加西斯莱毕沙罗。

二新印象主义(点彩派)修拉西涅克三后印象主义。

后印象主义画家们的艺术探索和追求从本质上说是对印象主义的否定。塞尚梵高。

高更《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》。

第五节19、20世纪初的法国雕塑。

吕德《马赛曲》。

罗丹《加莱义民》《地狱之门》《巴尔扎克纪念碑》。

一、19世纪德国浪漫主义美术佛里德里希拿撒勒派。

二、19世纪德国现实主义美术门采尔。

三、19世纪德国其他流派象征主义外光派。

第七节19世纪瑞典丹麦比利时美术。

第八节18、19世纪英国美术。

一、18世纪的英国美术荷加斯《文明婚姻》雷诺兹庚斯博罗。

二、英国浪漫主义绘画弗赛里布莱克。

三、英国风景画四拉斐尔前派。

第九节19世纪美国美术。

第十节18、19世纪俄罗斯美术。

三、19世纪下半叶俄罗斯美术巡回展览画派。

这是19十九世纪下半叶最主要的进步艺术团体，这是名称为“巡回艺术展览协会”，简称巡回画派。巡回画派遵循别林斯基、车尔尼雪夫斯基等人的美学主张，在俄国各地举办了近50次巡回展览。画家们站在民主主义的立场上，反映人民生活、历史事件和俄罗斯美丽的大自然。列宾、苏里科夫、瓦斯涅佐夫、谢罗夫成为巡回画派的中坚力量。

第六章20世纪美术。

第一节西方美术。

一、第二次世界大战之前的西方现代美术思潮与流派。

立体主义是富有理念的艺术流派。他主要追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感。他否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法，把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面。明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。

立体主义被人们看做现代主义的“分水岭”。他的出现是因为艺术受到了现代哲学、科学和机械工程学的刺激，也受到了塞尚晚期绘画中抽象视觉分析的影响，还受到非洲面具造型的启发。

主将是毕加索、布拉克。毕加索创作于1907年的《亚威农少女》被认为是第一件立体主义倾向的作品。

未来主义意大利领导者为诗人马里内蒂发表《未来主义宣言》，以浮夸的文字宣告传统艺术的死亡，号召创造与新的生存条件相适应的艺术形式，宣告未来主义的诞生。

表现主义。

主要活动基地在德国。是从后印象主义演变发展而来。是对印象主义忠实地描绘现实的叛逆。他继承了中古以来德国艺术中重个性、重感情色彩、重主观表现的特点。在塑造上追求强烈的对比，追去扭曲和变形的美。

成员：基希纳、诺尔德、黑克尔、佩希施泰因、米勒。

a、他的抽象艺术实践开辟了西方抽象艺术的先河，把表现主义推向成熟阶段。b、他的抽象主义理论集中在著作《关于形式问题》、《点线面》、《论艺术的精神》中。内容涉及到抽象形式的法则和美感、绘画的音乐性、创作中的偶然性等问题，值得人们思考和研究。

c、强调绘画的自律性;强调色彩的独立表现价值;主张画家的心灵体验和创造，通过非具象的形式传达世界的内在声音。

达达主义杜尚《泉》《l.h.o.o.q》。达达主义的目的不在于创造，而在于破坏和挑战。达达主义艺术运动是1916年至1923年间出现于法国、德国和瑞士的一种艺术流派。达达主义是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。

超现实主义。

抽象表现主义。

托比受中国书法和艺术影响德。库。宁。

克兰也受地方书法影响。

波洛克抽象表现主义运动中最有影响力的艺术家。

背景：20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。是对抽象表现主义倾向的反动。将大众传媒和商业化作为艺术创作主题和动机，将艺术创作和商业图像混为一体。在创造中大量运用现成的物品，如热狗、馅饼、服装、画报、公路标志、罐头等。特点：a、利用在生活环境中接触的材料和媒介来制造大众所能理解的形象，以使艺术和工业文明相结合，并利用大众传媒(广播电视报纸印刷品)加以普及。

b、这些大众通俗的艺术中有新奇活泼富有性感的内容来吸引观众注意力，刺激消费欲望。

c、波普艺术精神：能准确捕捉大众文化的内涵，用何种表现形式艺术家有广泛的自由。d、波普艺术把生活中现有的实物挪动位置、改变环境赋予新的含义，也被称为“新达达主义”。

代表人物：汉密尔顿、安迪。沃霍尔、利希腾斯坦。

4、后现代主义。

是20世纪50年代以来欧美各国继现代主义之后前卫美术思潮的总称。后现代主义的概念最早出现在建筑领域,后来逐渐扩展到美术等其他领域。后现代主义以艺术的大众性反对艺术的精英性,以粗俗、生活化反对精雅的艺术趣味;主张艺术各门类、艺术与生活之间界限的消失,艺术品不仅要作用于视觉,而且应该作用于听觉、触觉,甚至嗅觉的美学主张,以及艺术的目的是制造“整体情景”等等。较有影响的流派有:环境艺术派、大地艺术派等。

西方美术史期中论文

掷铁饼者(discobolos)，大理石雕复制品，高约152厘米，罗马国立博物馆、梵蒂冈博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜，希腊雕刻家米隆(myron)作于约公元前450年。这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。雕塑刻划的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间，赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。

外形特点。

这尊被誉为“体育运动之神”的雕像，一望而知是表现投掷铁饼的一个典型瞬间动作：人体动势弯腰屈臂成s型。这使单个的人体富于运动变化，但这种变化常常造成不稳定感，所以作者将人物的重心移至右足，让左足尖点地以支撑辅助，以头为中心两臂伸展成上下对称，从而使不稳定的躯体获得稳定感。身体的正侧转动，下肢的前后分列，既符合掷铁饼的运动规律，又造成单纯中见多样变化的形式美感。

公元前449年到公元前334年是希腊雕塑艺术的全盛时期，艺术史上称为“古典时期”，大量优秀的雕塑作品出自这个时期，《掷铁饼者》就是现存流传最广的艺术杰作之一，也是古希腊著名雕塑家米隆的代表作。这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。雕塑赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，表现了作者高超的艺术技巧。虽然原作已经失传，但我们仍能从复制品中感受到那生命力爆发的强烈震撼，也是我们研究古希腊雕刻的重要资料。

艺术价值。

《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻画的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的“引而不发”的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使观众心理上获得“运动感”的效果，成为后世艺术创作的典范。

作者米隆在这一作品中创造了一个出色的充满活力的运动员形象。尤见作者匠心的是，他出色地概括了掷铁饼这一运动的整个连续的过程，表现了一种动态的美。掷铁饼者张开的双臂像拉满的弓，使人产生一种发射的联想。铁饼和人头的两个圆形，左右呼应；紧贴地面的右腿如同一个轴心，使曲折的身体保持稳定。整个雕塑给人的印象是：健美、壮重、和谐，洋溢着青春的活力。

上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。这尊男运动员塑像标志着古希腊人体雕塑达到了无与伦比的完美。

米隆的这尊雕像解决了雕塑的一个支点的重心问题，为后来的雕塑家创造各种运动姿态动作树立了榜样。

作者简介。

米隆生于公元前492年，艺术活动于公元前472年到440年间。他是伊留特拉依人，鲍萨尼亚斯在自己的旅行记中把他当作雅典人，这大概是他长期在雅典工作的缘故。

他对希腊雕塑艺术的发展起到了巨大的推动作用，是他首先赋予了雕像以生动的表现力，也是从他开始，希腊的雕塑艺术进入了一个全新的时期，并一步步走向成熟。

米隆大概在20岁时到阿基列达斯门下学习，而艺术成熟于40岁左右。他擅长以青铜为材料的雕塑，能巧妙而准确地表现人物在运动中的正确姿态，塑成形神俱真的动物。传说他为雅典城堡塑造的青铜牡牛雕像，由于乱真而招惹成群的野狼；他雕刻的马，竟引起真马的嘶叫。可惜的是米隆所有的雕刻原作都没有保存下来，现在所看到的仅仅是后来罗马匠师模制的大理石复制品。

米隆是位大胆进行艺术革新的雕刻家，他勇于探索和表现新而又难的雕刻技法，力图使和谐壮丽与逼真生动合二为一，他善于运用超群的雕刻技巧表现运动中的人体，尤其是对激烈动势中的竞技者的人体均衡与静止的处理有独到之处，这充分表现在他的《掷铁饼者》中。

米隆的雕塑艺术的最大长处是反映迅速变化的运动感，往往能突破时空的局限，抓住雕像动作的关键瞬间，扩大了形象的时空表现力。

一种体育精神和力与美的集合就这样展现在大家面前．。

米隆善于运用写实的手法创造性地刻划人物在剧烈运动中的动态，他在雕塑中所体现出来的完美的艺术技巧，是许多后世的雕塑家们所望尘莫及的。他的作品大多是传说中的神、英雄和运动家、动物等，但原作都已遗失，现在我们看到的都是罗马时期的复制品。据说米隆本人就曾受到过良好的体育训练，力大无穷，能肩扛公牛，所以他对体育有着真切的感受，这为他创作优秀的体育类雕塑作品提供了很好的生活体验。他的代表作品有《掷铁饼者》与《雅典娜和玛息阿》等。

艺术赏析。

掷铁饼者雕像，被公认为体育运动和健美体魄的象征，这是雕刻家从实际生活中观察得来的真实形象，有可能是表彰一位运动健将或竞技得奖者。雕刻家集中注意表现出在精神上与肉体上都是坚强有力的，美的人物。雕刻家以敏锐的观察抓住了掷铁饼者最用力的一瞬间动作，这是一个典型的瞬间。尽管在形体上是紧张的，可是整个雕像却给人以沉着平稳的感觉。大家可以来看一下这位运动员的动态，这位年轻的运动员有弹性似的弯着腰，同时用脚安稳地站在地上，把拿着铁饼的手伸向后方。而只要一瞬间，他那像弹簧似的形体就会立即伸直，而铁饼将从他手中飞向远方。这座雕像的构图，把复杂矛盾的动作归结成为数不多的鲜明生动的富有说服力的姿态，这些姿态给予人以一种集中、全神贯注的感觉，尤见作者匠心的是，他出色地概括了掷铁饼这一运动的整个连续过程，表现了一种和谐理想的动态美。掷铁饼者张开的双臂像拉满的弓，使人产生一种发射的联想。张开的双肩和扁担似的手臂很对称，这里可以看出古典时期的雕刻喜欢用正面律。同时掷铁饼者两只手臂的线条和他拖在后边的左大腿的线条联合形成了一个半圆形，其轮廓如同一只拉开的弓，腿和手臂联成一个图案，身体各部分的结构也体现一种肯定和稳固性。紧贴地面的右腿如同一个轴心，使曲折的身体保持稳定。他的大腿和躯干在上边形成了两个彼此相等的对角线。铁饼和人头的两个圆形，左右呼应，雕刻家在一个固定的姿态的空间上表现着时间性，整个艺术形象健美而动人。

商代美术史论文范文

摘要：刘海粟是中国新美术运动的拓荒者，中国新美术教育的奠基人。他为中国美术教育事业做出杰出的贡献，在绘画上成就卓著，在美学思想和美术史论造诣上为中国现代绘画美学的开创和发展做出了贡献。

关键词：刘海粟美术教育美学。

作为20世纪美术和美术教育的拓荒者、艺术大师，刘海粟除以杰出的艺术成就彪炳画坛，又以其独特而完整的美学思想体系和美术史论造诣，为中国近代绘画美学和美术史论的开拓、发展做出了贡献。其中很多著作，观点新颖独到，详细而精确地论述了艺术的本质和艺术表达的内容与表现形式，分析了艺术的审美标准与价值。刘海粟的理论在现代绘画美学上具有超越和创新精神，尤其是他所强调的艺术所具备的主观表现、艺术情感和艺术个性。

一、为中国的美术教育事业做出杰出贡献。

刘海粟是中国新美术运动的拓荒者、新美术教育的奠基人。1912年，刘海粟创办上海美专，也就是南京艺术学院的前身。为了上海美专的生存发展，他多次向亲戚借钱，参加义卖资助办学，把香港画展中100万港币的画款全部捐献给南京艺术学院。刘海粟坚持走自己的教育之路，努力摆脱传统的学院主义的束缚，坚决反对禁锢学生的艺术思想，提倡个性发展。主张兼容并蓄，提倡艺术风格的多样化。他十分重视外出写生，强调艺术创作要尊重自然，贴近生活，师法造化。课堂上，他严格要求学生通过各种写生活动来深入了解自然世界，尊重客观，在对静物、人物和风景写生时，不能照搬原物，要根据自己当时的感受去灵活生动的表现它们。刘海粟始终坚持艺术实践，曾经多次上黄山写生，每次都把对黄山的不同感受都表现的淋漓尽致，以表达他心目中黄山的永恒之美。这就是至今仍值得我们钦佩的“黄山精神”。这精神就是尊重客观世界，结合主观表现，不断创新，突出个性。我们从他一系列的黄山作品中，能够深深地体会到一种从量变到质变的过程。刘海粟首次倡导在中国使用人体写生，实行男女同校。他的关于人体艺术的美学思想精论是对传统伦理美学思想的超越，在民国绘画美学史上有重大影响，为开创西方式的美术教育作出了贡献。

二、倡导中西融合，注重创新和个性的发展。

刘海粟倡导中西融合，反对“全部西化”。1929年刘海粟首次赴欧学习考察两年半。在法国和意大利等国努力汲取西方绘画真谛，同时不忘介绍、宣传中国美术。他的油画作品能使人感受到一种中国气息，因为他把中国传统的国画元素运用其中，包括中国画的笔触，线条，表现形式等，所以他的油画作品风格独特，具有国画的意蕴。早年刘海粟的油画写生中明显带有中国画的笔画，如《前门》、《向日葵》、《休息》、《在此》等优秀作品。而他创作的国画，又是在传统国画的基础上，巧妙地结合了油画的空间感和独特的质感。尤其是刘海粟晚年的作品，形式新颖，主题突出，色彩强烈，突破了传统国画的表现形式。这正表现了他所坚持“融合中西以创新”，“发展东方固有艺术，研究西方艺术蕴奥，从创新中得到美的统一”。

刘海粟的绘画注重个性发挥，无论国画或油画都充分展示他特有的性格。在70年的艺术生涯中，他“始终是自己走自己要走的路，自己抒发自己要抒发的情感”。他的作品是由自然、生活所激发，真切而实在的主观思想情感的表白，体现了时代、民族特性。在艺术创作过程中，刘海粟特别强调在尊重客观的基础上结合个人的主观意识，突出艺术家的个性。1982年10月，他和南京艺术学院学生谈话时说：“黄山有永恒的美，但她有各种各样的变化，使我永远画不尽，要知道学无止境，艺术无止境，每上一次黄山，就是跟大自然较量一次，也跟自己较量。我画黄山，每次都有那么一点新意。”因此，“客观与主观相结合”和“主观表现和个性发展”并重是刘海粟所遵循的艺术创作原则。他认为表现就是艺术家强烈的渴望用独特的、极具个性的艺术语言表达自己的生命和人格。

三、为中国现代绘画美学的开创和发展作出了贡献。

通过系统的研究中国古代绘画美学，刘海粟形成了自己独特而完整的现代绘画美学体系，其精髓就是情感、个性和主观表现说。他发表了许多论著和译著，如《日本新美术的新印象》、《梵高》、《高更》、《欧游随笔》等一系列著作中，渗透着他的表现主义美学观，可以说，中国美术表现主义体系及其理论的进一步确立是由他开始的。刘海粟也是一位出色的美术史论家，是中国近代美术史论的先驱之一。他对艺术史见解独到，认为“一部艺术史，即是一部创新的历史”。刘海粟的观点洒脱，对艺术的抒发强调创新，从统摄艺术史趋势入手，敏锐把握美术发展的时代脉搏。刘海粟的美学思想体系，为中国现代绘画美学的开创和发展作出了贡献。

在艺术多元化的今天，回顾刘海粟在20世纪中国美术史上的贡献，使我们从他积极进取和实践创新精神中重新找到创作的动力，我们不会忘记他在艺术上的创造性成就和为祖国美术教育事业作出杰出的不可替代的贡献。

美术史论文字范文

19世纪六七十年代，西方画坛初步诞生了一种独特而又新颖的画风，完全变革了古典艺术的绘画素材以及绘画手段，新兴的绘画思维与审美品位吹拂艺术的殿堂，印象派由此产生。19世纪的主要美术流派有：古典派、学院派、浪漫派、写实派、印象派。印象派在对这些流派的或反对或继承上发展出了它所独有的新面貌，不同于古典派、浪漫派的“崇尚理想”，更不同于学院派的“闭门造车”，印象派与写实派在描绘现实生活上还是有接承衣钵的感觉。但印象派与传统流派的绘画风格有很大出入，印象派摒弃了古典画派的古板与浪漫主义的浮夸，脱胎于传统思想之中。受益于光学理论的发展，印象派画家感受自然中的色泽，聆听自然的动人旋律，捕获自然的光和影，通过手中的画笔，勾勒出心中的色彩，描绘画家独特的感受。例如，印象派的起始作品，克劳德·莫奈的油画《印象·日出》即是运用光影的代表之作。光线与色彩的运用是印象派画家的代表绘画手法，他们透过眼睛捕捉到事物的闪动点，再使用手中的画笔重现记忆中的感受，印象派的名称由此得来。画家描绘自己印象中的事物，竭力突出自己的主观感受，将自己对自然的热爱，对自由、平等的渴望淋漓尽致地展现出来，在当时犹如海啸般冲击着传统绘画观念，在西方美术形式变革中起到无可替代的领头作用。

新印象派的产生，是源于印象派融合十九世纪后期实证主义以及科学乐观主义两大思想，解决传统印象派色彩表现不严谨的问题。新印象派在绘画过程中结合科学手段，严格分析光影，通过构建色点排列组合完成绘画。另外，构图手法上使用坚实的数理分析，通过装饰处理后形成新的印象派画风，即新印象派。代表人物有修拉与西涅克等。新印象派与印象派的不同点在于，新印象派更关注科学理论的研究，例如，新印象派参考法国化学家米歇尔·欧仁·舍夫勒尔完成的《色彩的谐调与对比原理及其在艺术中的作用》，完善了绘画色彩的科学分析，形成了一种绘画理论。

后印象派是西方较早的主观绘画，是现代艺术的起源。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统。印象派与新印象派都着重于对光学、色彩的探究，能够充分利用光影、颜色完善绘画手段。然而，印象派画家对绘画事物的感受仅仅止于表面，绘画展现出来的内涵只是画家看到事物那一刻的印象，忽视了事物本身的价值和意义。面对印象派绘画过程中的这一问题，十九世纪80年代法国的部分画家，开始呼吁印象流派要突出画家主观感受，挖掘事物的本质内涵，在绘画过程中逐渐运用光彩、事物形态的表现性因素，后印象派以此为契机产生。

（1）后印象派的绘画艺术风格。后印象派的英文名称是“post—impressionism”，而“post—”这个前缀词有着“后于……与……对抗”的意思，它其实是对印象派的一种反叛，它并非一个流派，而是印象派之后出现的一种绘画现象，它没有供人交流的社团场所，更没有共同的艺术纲领与组织宣言。没有相似的艺术风格，但是却又有共同的绘画理念，即在绘画中不拘泥于事物的客观物象，通过挖掘事物的本身价值充分展现画家的主观印象，而这也是后印象派区别于印象派以及新印象派的关键。后印象派的画家有着多种多样的绘画风格，有的擅于把握事物的形态结构以及主观重量感，用画笔改变事物的体积形态来展现其自身特征；有的擅于运用光影的强弱以及画笔的力度，利用激昂的笔触挥发内心对自然的热爱；有的擅于在理性中释放强烈的情感，利用独特的平涂绘画方式以及装饰性的画风挥洒胸怀。后印象派各个画家之间拥有着各自独特的画风，艺术风格千变万化，但他们都拥有一个共同理念，即在追求事物本质特征的过程中把握主观感受的再生，不断挖掘新的绘画艺术表现形式与方法。

（2）后印象派的代表人物。后印象派的独特绘画风格严重冲击了西方传统美术形式，而后印象派的代表人物则是凡·高、塞尚以及高更。他们三人是后印象派的巨匠，是后印象派的引领者，是现代绘画艺术的先驱。后印象派的三大巨匠在他们的作品中淋漓尽致地展现出他们对事物形态结构的肯定，以及对色彩装饰、光影、绘画艺术设计、变形手法的充分运用。

塞尚完全突破传统的艺术绘画手法，专注于自己的内心想法，通过有意识地筛选并结合结构的理念将事物完整的展现出来。塞尚擅于把握事物的结构，注重理念观点以及绘画整体美感，重视绘画要素的排列次序。塞尚追求绘画艺术的坚实结构以及理性与自然的完美结合，塞尚终其一生都在为他理想中的拥有质感、体积感、稳定感的事物坚实结构而探索。例如，塞尚的作品《静物》、《圣维克托尼尔山》，在对事物的理性分析中挖掘结构特性，结合内心主观感受，完成极具现代气息的绘画艺术作品。塞尚独特的艺术绘画追求推动了西方美术形式的变革，解放了人们拘束的传统绘画思想，是当之无愧的欧洲现代主义之父。他主要影响了现代主义中结构主义的发展。

凡·高与塞尚不同，塞尚追求事物的坚实结构，而凡·高则注重于人性的表现。例如凡·高的作品《向日葵》、《自画像》。都是运用快速连续的笔触以及夸张的绘画方式，激昂地表达自己内心对生命的感受，赋予作品深沉的内涵。他主要影响了现代主义中表现主义的发展。

高更与前两者不同，主张利用记忆中对事物的印象进行创作，追求艺术绘画的纯真。例如高更的代表作《塔希提岛的少女》、《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》。高更运用简单而激烈的色彩，豪放的笔触，描绘出自然而清新的原始美感。他则主要影响了现代主义中象征主义的发展。

（3）后印象派对西方现代艺术的影响。后印象派完全违背西方传统美术形式的绘画原则，给艺术领域带来新的绘画思想与创作观念，启迪了现代主义艺术。后印象派的两大主张：主张着重于理性观念的把握，重视事物的结构性，以及主张画家内心情感的表达，则引领着现代艺术的前进步伐。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，强调了绘画的立体感与风格独特化，也使绘画的构图更具有力度，放大了艺术家的思想界面，是西方现代艺术的起源。

后印象主义的出现推动了西方艺术的前进，颠覆了传统艺术逻辑，为今后的现代艺术提供了新的观念与创作手段，带领着各个绘画流派摸索新的艺术发展道路。

美术史论文字范文

高中美术鉴赏课就是要给学生营造一个轻松、愉快，具有浓厚艺术氛围的课堂，学生在这样的课堂中能自由展现自己独特的见解，张扬多彩的个性。教师如何呈现这样的课堂给学生呢？在设计教学时要从学生兴趣角度、认识角度去寻找有效方案。课堂场景的设置，不仅能吸引学生的注意力，还能唤起学生对美术作品鉴赏浓厚的兴趣，更主动的去了解、探索作品中折射出的相关知识。许多教师在这方面做了很多尝试，有效果比较好的，也有一些为了迎合学生的胃口，甚至把现在流行但没有多少意义的东西引入课堂，得到学生暂时的兴趣和笑声，给人哗众取宠的感觉，与教学内容链接的牵强附会。只有与教学内容相适应，相呼应的场景，才能达到理想的课堂效果。学生在场景中进行自我角色定位，大胆参与，身临其境，感悟美术作品独具魅力的视觉空间和思维空间，自由的发挥想象，有助于感性知识的形成，有利于抽象知识的具体化。

课堂教学场可景千变万化，活动课是学生最喜欢的课堂形式，参与的积极性非常高。活动课是学生的天堂，他们可以自由的讨论，自由的展现才华。把教学课设计成活动课的模式，创设相应的活动课场景，让两者有机的结合起来，取长补短。在第二单元第一课《原始人的创造》，有一个争论的问题：原始美术起源说。运用活动课中辩论赛的模式进行课堂教学。场景设计程序为：

1.根据题目进行正反方分组。

2.让学生用十分钟的时间自学本课内容或查找课外知识，在作品鉴赏中提炼出有利于自己辩论观点的相关内容。

3.辩论赛三十分钟。

在教学场景设计中，必须充分利用学生的多种感官，为其设定角色，调动学生健康的情感体验，丰富学生的直接经验和感性认识，有助于感性知识的形成，有利于抽象知识的具体化。如：在第三单元第九课《各异的风土人情》这课场景设计中，教师的角色定位于一个热爱民风民俗，热衷于民间工艺品收藏的旅行者。学生的角色则成了各个地区导游，教师背着行囊从本地出发，每到一处学生导游就要介绍当地的风土人情和民间工艺品。针对许多充满职业幻想的高中生，他们的参与积极性非常高，还有了激烈的竞争场面。学生在这样的角色中尽情的释放自己的能力，张扬自己的个性。在角色的情感体验过程中，学生能把美术知识与其他的知识相互渗透，在自己的角色中释放，这也是抽象知识的探索过程。教学场景的设计让学生通过各种形式的情感体验，在特定的场景中感知、理解、运用所学知识，从形象的感知达到理性的顿悟，提高了美术作品的鉴赏效率，学生有了了解美术作品的热情，更加主动去探索、研究抽象的美术知识.

商代美术史论文范文

课程安排：二年级上学期。

课程性质：专业必修课。

适用专业：三年制（专科）美术教育专业。

一、教学目标和任务。

（1）通过对西方美术发展情况的了解，增长学生的艺术史知识，提高他们的艺术素养和鉴赏能力。了解西方的艺术观、价值观，以及西方现代艺术的新思想、新角度、新材料和新手法，拓展学生的思维和视野。

（2）外国美术史是美术专业的基础史论课程。系统了解和掌握外国美术发展的常识及其规律，扩大艺术视野，提高艺术修养。外国美术发展的文化、历史背景介绍，主要艺术家生平及创作历程介绍。主要艺术作品的分析介绍。主要教学手段课堂授课、幻灯展示作品，课外阅读辅导及课堂师生讨论。

二、教学方法与教学要求。

以课堂教学为主，运用大量的视觉材料展示图像，如幻灯片、画册、录像资料，强调直观感受，以欧洲美术史为主线，加以东南亚、中东、西亚、美洲美术，结合现有的艺术展览和新的艺术形式进行分析。

三、教学内容和教学安排。

课程学时：36学时。

课程安排：二年级上学期。

（一）教学目的：

（1）通过这一阶段的学习，使学生了解和掌握艺术的起源与欧洲。

文明的源头：古希腊文明，了解古埃及美术，两河流域文明，

罗马帝国美术及欧洲中世纪宗教文化，意大利文艺复兴在欧。

洲的影响，以及巴洛克与洛可可美术的发生、发展。

（2）使学生了解并掌握艺术史发展的内部规律，古典艺术的基本。

特点，学院主义的`行成与局限。着重讲述十九世纪末二十世。

纪初艺术史内部的变革，科技发展和社会变革给艺术的冲。

（二）教学内容和学时安排：

第一讲：原始美术（4学时）。

讲授欧洲现存的典型的原始艺术遗迹，古埃及和两河流域、古印度、美洲艺术，古希腊与古罗马艺术。

第二讲：中古美术（4学时）。

讲授基督教、佛教、^v^教美术。

第三讲：文艺复兴美术（6学时）。

讲授欧洲文艺复兴文化思想与艺术的联系，文艺复兴的成果及。

其影响、意义。

第四讲：巴洛克与洛克克美术（4学时）。

讲授巴洛克与洛克克艺术的形成、特征、影响。

第五讲：学院派、新古典主义、浪漫主义、现实主义美术（6学时）。

讲授学院派、新古典主义、浪漫主义、现实主义与十九世纪的巴黎。

第六讲：印象主义及后印象主义美术（4学时）。

讲授印象主义及其对视觉革命的意义，后印象主义的转折性地位。

第七讲：（4学时）。

讲授前苏联、东欧美术、拉美艺术。

第八讲：（4学时）。

讲授现代西方复杂的艺术流派介绍及与当代艺术的联系。

四、课程考核及标准。

开卷或闭卷考试，由任课教师出题或命题和评分，以百分制记分。评分标准：

（1）平时评价：课堂上认真学习，无缺席、迟到，发言积极，认真完成作业。

（2）期末考核：采用试卷考试方式。将考核分数记入在册，作为期末考试成绩。

学期记分方式：实行百分制，平时按30%，期末按70%计算，记入学。

期成绩。

优：（90分以上）概念准确、清晰、卷面整洁；答题逻辑性强，无文法错误，有独立思考，有文采；史论皆备。

良：（80—89分）概念准确、思路清晰、卷面整洁；答题逻辑性强，史论皆备，无文法错误；少独立思考，有个别错别字。

中：（70—79分）概念准确、卷面整洁；逻辑欠清晰，有少量语法错误，少量错别字；无文采。

及格：（60—69分）概念模糊，逻辑性一般，有少量语法错误，少量错别字。

不及格：概念模糊，逻辑混乱，有语法错误，有错别字。

五、教材及参考书。

教材：

《外国美术史及作品鉴赏》高师《外国美术史及作品鉴赏》编写组编著高等教育出版社。

参考书：

《外国美术简史》中央美院美术史系编著高等教育出版社。

六、教学设备与教具要求。

准备幻灯机、投影仪以及相关图像资料。

大纲修订时间：

教研室审核时间：

20xx年9月18日20年10月18日制定人： 审核人：

外国美术史论文

新王国时期(1560bc-1087bc)，第十八王朝至第二十王朝。

这一时期的艺术以建筑和雕塑最为突出，绘画还处于初期阶段。建筑：

金字塔——法老的陵墓。王朝初期，国王和贵族的陵墓是长方形的石质建筑，石棺就放在建筑内部，这称为“马斯塔巴”。随着陵墓的扩大，一层的马斯塔巴演化成从大到小几层相叠的阶梯式金字塔，最早的金字塔是法老左塞的阶梯金字塔，兴建于公元前2770年左右。到了古王国盛期，又演变出方锥形金字塔，最为著名的是胡夫金字塔，高146.6米，基座四边长233米，正对东西南北四方，坡面呈52度角，致使塔高与塔底周长比等于圆周率，由230万块2.5吨重的石灰岩垒成，没有使用任何粘合物却非常紧密。金字塔内部有走廊、通气管道以及存放法老木乃伊的石室。金字塔有着惊人的体量感和对称、稳定的外形，足以使站立在它面前的人们感到自己的渺小，这庞大的建筑物是“升入天堂”观念的物化。但是这种建筑方式在中王国时期被放弃，不仅仅因为它的修建是劳民伤财，也因为当时对个人得救的关心成为主要的宗教倾向，因此神庙取代了金字塔成为修建的主要对象。古埃及艺术的特点：风格稳定、等级分明，在写实风格的基础上进行理想化的表现，其风格壮丽、宏伟、明确。有着严格的规范，如正面律：人物头部以正侧面表现，眼睛、肩为正面、腰部以下为正侧面。雕塑：

古埃及雕塑主要作为建筑附属物存在，其程式在古王国就已经形成并沿袭下去，主要表现为：直立姿势，双臂紧靠躯体，正面直对观众；着重刻画人物头部，其它部位刻画得较为简略；面部轮廓写实，表情庄严；根据人物地位的高低确定比例的大小；雕像着色，眼睛中往往镶嵌水晶、石英等物。

著名的作品有：《狮身人面像》（哈夫拉金字塔），埃及最大最古老的室外雕刻巨像之一，身长约57米，面部长达5米，为法老的面像。《拉霍特普王子与其妻》（坐像），线条柔和舒展，表现了王子的性格特征以及王子妃的端庄美丽。雕像保持了原来的着色，人物眼珠由黑檀木做成。其他著名的作品还有《门考拉及其妻》、《书吏凯伊》、《村长像》（实际上是王子卡帕尔雕像）等等。浮雕、绘画：

古埃及的浮雕与绘画有着共同的程式：正面律（人物头部以正侧面表现，眼睛、肩为正面、腰部以下为正侧面）；横带状排列结构，以水平线划分画面；根据人物尊卑安排比例大小和构图位置；画面充实，不留空白；有固定的色彩程式：男子皮肤为褐色、女子为浅褐色或淡黄色、头发为蓝黑色、眼圈黑色。古王国时期的浮雕代表作是：《纳米尔石板》、《猎河马》。

古王国起的墓室壁画：遗存数量不多，代表作是《群雁图》，以写实手法绘制，形象生动，色彩和谐动人。

古代埃及与古代两河流域艺术的特点。

建筑：这一时期的建筑有独特的成就。两河流域南部原是一片河沙冲积地，没有可供建筑使用的石料。苏美尔人用粘土制成砖坯，作为主要的建筑材料。为了使建筑具有防水性能，他们在墙面镶嵌陶片装饰，类似现在的马赛克。苏美尔人最重要的建筑为塔庙。是建在几个由土垒起来的大台基上，这种类似于梯形金字塔的建筑被称为“吉库拉塔”。乌鲁克神庙是塔庙的最典型的代表。

建筑：亚述人不重来世，不修筑陵墓，他们的建筑艺术仅见于豪华的宫殿。每一代国王登基都要大兴土木，建造新宫，这一时期建造了两河历史上最宏伟富丽的宫殿建筑。胡尔西巴德的萨尔贡二世宫殿是其主要代表。浮雕：亚述王宫是用大量的大理石浮雕板来装饰的，每一座王宫都用高达2米多的浮雕来记载历代亚述王的距今市讨伐、重大事件，按时间先后排列，表现了美术史上最长的历史浮雕场面，既有急电意义，又有装饰墙面的作用。亚述浮雕用极为写实得手法表现了战争、狩猎等惊心动魄的紧张场面。

4.新巴比伦美术。

这一时期的美术成就集中体现在巴比伦城的建筑上。巴比伦原有双层城墙，上面设有塔楼。各道城门分别用巴比伦的神抵命名，其中最重要的主门是伊斯塔尔们门。伊斯塔尔门分前后两道门，每道门有四个望楼。在大门墙上装饰着蓝色的陶砖，上面分布着横向排列的黄色、褐色、黑色陶砖组成的动物，如牛、狮子以及长着蛇头鹿身兽爪的神化动物。黄褐色的浮雕和蓝色的背景构成鲜明的对比，具有强烈的装饰效果。王宫内墙同样用彩色陶砖装饰，并先前着植物图形和狮子图案。

新巴比伦美术是庞大、豪华、富有装饰性的，但它正失去亚述美术蕴含着的那种强悍的生命力。

古埃及美术在建筑，雕刻，绘画和工艺美术等领域，都有辉煌的成就。埃及人想信人死后可以在另一个世界里继续“过活”。就像植物在冬季死去，来年可以再生一样。他们崇拜的大神——执掌“阴司”的奥西利斯，就同时掌管着给植物带来苏生的洪水，而奥西利斯本身，也曾是给敌人杀死，后来经他的妻儿的法术才得以重生的。所以埃及的祭司们相信：只要把法老王的遗体保存起来，他们就可以在墓室内和墓室外继续“生活”。这样产生了著名的“木乃伊”(经药物泡制、包扎和密封的尸体)以及装饰豪华的棺匣和牢固的金字塔。古埃及人的宗教思想还宣扬人的灵魂无所不在，金字塔越是庞大稳固，法老王也就可以永生不朽。有力学上说，这个底边广阔，体积宏大的方锥体，的确最为稳固，而在心理的感受上它也确实让人觉得“不可动摇”。

古埃及的雕刻和绘画的独特面貌，令人一眼就能看得出，而且留下深刻的印象。对于神和君王的崇拜，要求按照“应有”的样子，而不是实际看到的，把他们表现为尽可能地充分和完满，由此而造成了一定的格式。比如，法老王的立像常是左脚在前，坐像则必是两手搁在膝上，右手握拳左手平伸，并且保持着丝毫没有转侧的所谓“正面律”。

作品《拉荷特普及其妻诺夫尔特公主像》是古埃及双人坐像的最初代表，按照古王国时期人像雕刻的惯例，用石灰岩制作的雕像通常是着色的。因男子常在户外活动，风吹日晒，故躯体涂以棕色。女子深居简出，躯体涂以淡黄色，这两尊雕像线条柔和，舒展。为追求人物相貌的逼真，埃及雕像善于运用各种材料突出人物眼睛的生动性，用铜做眼睑，乳白石英作角膜，透明水晶作虹彩，并嵌以磨光的微粒黑檀木作瞳孔，使之在透明的水晶中发生光辉。

《涅菲尔蒂王后像》是埃及新王国时期具有革新精神的代表作，强调艺术要从理想化的表现中解放出来，真实地描绘人及其周围的世界，作品摆脱了长期以来的神化倾向，努力表现出人的特性，真实地刻画了一个古代东方美丽女性的形象，自然生动，脸部洋溢着活力和女性的美，完全摆脱了过去王后雕像只是强调其高贵地位的旧手法。

古埃及人由于崇奉太阳神“拉”和地方神“阿蒙”，所以各地为“拉”和“阿蒙”神建造了许多神庙，卡纳克阿蒙神庙便是其中最著名的。建于公元前1800多年，占地24.28公顷，由许多部分组成，其中最主要的就是柱厅，站在大厅中央，四面森林一般的巨大石柱，给人造成一种神秘而又幽深的感觉。阿布辛贝勒神庙是埃及石窟神庙的代表作，是在尼罗河岸的一个悬崖上开凿的。神庙前耸峙着四尊高21米的摩崖巨像，这是新王国时期拉美西斯二世自己的雕像。雕像面向东方倚山而坐，好像是从山崖中长出来的。

两河流域是指今伊拉克共和国境内的两条注入波斯湾的大河——底格里斯河和幼发拉底河．便是古代文明的又一发源地。远古时代．在这两条大河之间是一片广袤的平原和沼泽地带，希腊人称它为“美索不达米亚”(mesopotamia)．意思是："两条河之间的地带”。早在公元前3500年左右．几乎与埃及同时开始了最初的文明，出现了楔形文字，人类在这儿定居耕种、生息繁衍。

两河流域的艺术有着自己的风貌。分为苏美尔一阿卡德时期、巴比伦时期、亚述帝国时期、新巴比伦时期、古代波斯时期等五个不同时期。

苏美尔人的雕刻较发达．留下了不少圆雕像，苏美尔时期最著名的是一件名叫“金牛头竖琴”的作品，阿卡德人统治时期留下来了一些珍贵的艺术品，其中最著名的是萨尔贡一世的头像和纳拉姆辛石碑。巴比伦时期最著名的当数汉漠拉比石碑。

亚述最负盛名的要数浮雕板雕刻，其中雕刻《人首翼人牛像》和浮雕《受伤的母狮》最为出名。

新巴比伦的艺术集中体现在新巴比伦城的建筑，最负盛名的主门称为伊斯塔尔门。波斯的史前陶杯非常有名。

一、比较古代埃及与两河流域艺术的特点。

古埃及美术在建筑，雕刻，绘画和工艺美术等领域，都有辉煌的成就。埃有人想信人死后可以在另一个世界里继续“过活”。就像植物在冬季死去，来年可以再生一样。他们崇拜的大神之一——执掌“阴司”的奥西利斯，就同时掌管着给植物带来苏生的洪水，而奥西利斯本身，也曾是给敌人杀死，后来经他的妻儿的法术才得以重生的。所以埃及的祭司们相信：只要把法老王的遗体保存起来，他们就可以在墓室内和墓室外继续“生活”。这样产生了著名的“木乃伊”(经药物泡制、包扎和密封的尸体)以及装饰豪华的棺匣和牢固的金字塔。

古埃及人的宗教思想还宣扬人的灵魂无所不在，金字塔越是庞大稳固，法老王也就可以永生不朽。有力学上说，这个底边广阔，体积宏大的方锥体，的确最为稳固，而在心理的感受上它也确实让人觉得“不可动摇”。

在卡夫利法老王的金字塔旁边，伏卧着高达二十米的巨大石雕“司芬克斯”——人首狮身像，这个怪物在战乱和风沙的侵袭下，其面部呈现出一种朦胧的神秘感，所以人们常把“司芬克斯的笑容”作为一种神秘表情的同义语。

古埃及的雕刻和绘画的独特面貌，令人一眼就能看得出，而且留下深刻的印象。对于神和君王的崇拜，要求按照“应有”的样子，而不是实际看到的，把他们表现为尽可能地充分和完满，由此而造成了一定的格式。比如，法老王的立像常是左脚在前，坐像则必是两手搁在膝上，右手握拳左手平伸，并且保持着丝毫没有转侧的所谓“正面律”。

作品《拉荷特普及其妻诺夫尔特公主像》是古埃及双人坐像的最初代表，按照古王国时期人像雕刻的惯例，用石灰岩制作的雕像通常是着色的。因男子常在户外活动，风吹日晒，故躯体涂以棕色。女子深居简出，躯体涂以淡黄色，这两尊雕像线条柔和，舒展。为追求人物相貌的逼真，埃及雕像善于运用各种材料突出人物眼睛的生动性，用铜做眼睑，乳白石英作角膜，透明水晶作虹彩，并嵌以磨光的微粒黑檀木作瞳孔，使之在透明的水晶中发生光辉。

《涅菲尔蒂王后像》是埃及新王国时期具有革新精神的代表作，强调艺术要从理想化的表现中解放出来，真实地描绘人及其周围的世界，作品摆脱了长期以来的神化倾向，努力表现出人的特性，真实地刻画了一个古代东方美丽女性的形象，自然生动，脸部洋溢着活力和女性的美，完全摆脱了过去王后雕像只是强调其高贵地位的旧手法。

古埃及人由于崇奉太阳神“拉”和地方神“阿蒙”，所以各地为“拉”和“阿蒙”神建造了许多神庙，卡纳克阿蒙神庙便是其中最著名的。建于公元前1800多年，占地24.28公顷，由许多部分组成，其中最主要的就是柱厅，站在大厅中央，四面森林一般的巨大石柱，给人造成一种神秘而又幽深的感觉。

阿布辛贝勒神庙是埃及石窟神庙的代表作，是在尼罗河岸的一个悬崖上开凿的。神庙前耸峙着四尊高21米的摩崖巨像，这是新王国时期拉美西斯二世自己的雕像。雕像面向东方倚山而坐，好像是从山崖中长出来的。

在埃及东北方的亚洲的西部，位于两条大河，即幼发拉底河和底格里期河，之间有一块肥沃的大平原，叫美索不达来亚，美术史家的不断发掘和研究，发现这西亚的艺术有着自己的风貌。亚述雕刻《人首翼人牛像》浮雕《受伤的母狮》。

二、古埃及艺术给古希腊美术的影响。

西方雕塑的传统发源于古希腊和古罗马文化，但古希腊雕塑却又曾经被古埃及雕塑深深的影响过。

随着社会生产力的发展与原始公社的瓦解，世界上先后出现了最早的奴隶制国家，古埃及就是其中之一。埃及的雕塑艺术大约始于公元前4000年，建筑业的诞生，孕育了艺术装饰的萌芽。它长期保存了原始社会的残余，埃及的神话与宗教信仰支配了雕塑的形成和发展过程。神话、宗教信仰的保守性是决定埃及雕刻发展迟缓的主要原因。

埃及雕刻是为法老政权和少数奴隶主贵族服务的。由于受宗教思想意识支配，严格服从上层社会的审美观点和需要。古埃及雕刻除陵墓中一部分作品外，最有影响的还是陵前和神庙的装饰雕刻及纪念性雕刻。金字塔就是最著名的雕塑。其中最高的是胡夫金字塔，金字塔前的巨大狮身人面像采用一整块巨大岩石雕成，是古代最庞大、最著名的雕刻。

埃及雕刻达到如此卓越的成就，是埃及雕刻家经过长期的探索得来的。它的雕塑艺术在古代世界美术史留下了灿烂的一页。

古埃及雕塑的审美理想是追求永恒，而古希腊雕塑的审美理想是追求真实的美。

希腊雕刻的题材大部分取自神话或体育竞技。当时，一些开明的统治者除致力于内政武力外，还提倡发展美术和文艺，在公元前6世纪以后的几百年中，古希腊科学、文学、艺术的名家辈出成就辉煌，雕塑艺术是这个时期灿烂的文化成果的一个重要方面。

爱琴海上有许多小岛屿，其中巴罗斯岛盛产大理石，为雕刻提供了最好的材料。希腊雕刻就艺术风格的变化、发展而言，可分为古风时期、古典时期和希腊化时期。

古风时期是雕刻家的训练阶段。这个时期经过雕刻家的长期探索，为后来的雕刻家开辟了道路。其中最著名雕刻家是米隆。《掷铁饼者》是他的代表作品。古典时期，希腊人的社会思想和宗教观念起了很大的变化，雕刻艺术逐渐趋向强调人物性格情感的刻画。希腊化时期，雕刻家继承了传统的技法，赋予作品以新的生命力和新的特色。

古希腊的雕刻家们对人体有丰富的知识和高度的写实技巧。处理衣纹线条生动流畅而有变化，不仅表现出衣服的质感，而且通过衣服表现人体的优美。希腊雕刻创造了崇高、典雅、完美的人物形象。

古罗马雕刻很大程度上是在继承了希腊雕刻遗产的基础上发展起来的，且在肖像雕刻方面却有独特的贡献，这与罗马人崇拜祖先遗容的传统风俗是分不开的。

由于僧侣风俗和祭祀礼节的流行，古罗马雕刻家较多刻画着衣人物形象。罗马早期雕刻被少数奴隶主、贵族所垄断，当时的雕刻家们雕刻的不少罗马皇帝的形象，是把罗马皇帝当做英雄的统帅来表现的。如梵蒂冈博物馆收藏的一尊《奥古斯都》，表现了罗马皇帝手执权杖，正在向部下训话传令的瞬间动作。

这段时间的肖像雕塑以写实的风格见长。雕刻家们善于运用夸张、概括的艺术手法，细致地刻画人物，舍去繁琐的东西，加强运动感。除此之外，古罗马雕刻家还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。

一、比较古代埃及与两河流域艺术的特点。

古埃及美术在建筑，雕刻，绘画和工艺美术等领域，都有辉煌的成就。埃有人想信人死后可以在另一个世界里继续“过活”。就像植物在冬季死去，来年可以再生一样。他们崇拜的大神之一——执掌“阴司”的奥西利斯，就同时掌管着给植物带来苏生的洪水，而奥西利斯本身，也曾是给敌人杀死，后来经他的妻儿的法术才得以重生的。所以埃及的祭司们相信：只要把法老王的遗体保存起来，他们就可以在墓室内和墓室外继续“生活”。这样产生了著名的“木乃伊”(经药物泡制、包扎和密封的尸体)以及装饰豪华的棺匣和牢固的金字塔。

古埃及人的宗教思想还宣扬人的灵魂无所不在，金字塔越是庞大稳固，法老王也就可以永生不朽。有力学上说，这个底边广阔，体积宏大的方锥体，的确最为稳固，而在心理的感受上它也确实让人觉得“不可动摇”。

在卡夫利法老王的金字塔旁边，伏卧着高达二十米的巨大石雕“司芬克斯”——人首狮身像，这个怪物在战乱和风沙的侵袭下，其面部呈现出一种朦胧的神秘感，所以人们常把“司芬克斯的笑容”作为一种神秘表情的同义语。

古埃及的雕刻和绘画的独特面貌，令人一眼就能看得出，而且留下深刻的印象。对于神和君王的崇拜，要求按照“应有”的样子，而不是实际看到的，把他们表现为尽可能地充分和完满，由此而造成了一定的格式。比如，法老王的立像常是左脚在前，坐像则必是两手搁在膝上，右手握拳左手平伸，并且保持着丝毫没有转侧的所谓“正面律”。

作品《拉荷特普及其妻诺夫尔特公主像》是古埃及双人坐像的最初代表，按照古王国时期人像雕刻的惯例，用石灰岩制作的雕像通常是着色的。因男子常在户外活动，风吹日晒，故躯体涂以棕色。女子深居简出，躯体涂以淡黄色，这两尊雕像线条柔和，舒展。为追求人物相貌的逼真，埃及雕像善于运用各种材料突出人物眼睛的生动性，用铜做眼睑，乳白石英作角膜，透明水晶作虹彩，并嵌以磨光的微粒黑檀木作瞳孔，使之在透明的水晶中发生光辉。

《涅菲尔蒂王后像》是埃及新王国时期具有革新精神的代表作，强调艺术要从理想化的表现中解放出来，真实地描绘人及其周围的世界，作品摆脱了长期以来的神化倾向，努力表现出人的特性，真实地刻画了一个古代东方美丽女性的形象，自然生动，脸部洋溢着活力和女性的美，完全摆脱了过去王后雕像只是强调其高贵地位的旧手法。

古埃及人由于崇奉太阳神“拉”和地方神“阿蒙”，所以各地为“拉”和“阿蒙”神建造了许多神庙，卡纳克阿蒙神庙便是其中最著名的。建于公元前1800多年，占地24.28公顷，由许多部分组成，其中最主要的就是柱厅，站在大厅中央，四面森林一般的巨大石柱，给人造成一种神秘而又幽深的感觉。阿布辛贝勒神庙是埃及石窟神庙的代表作，是在尼罗河岸的一个悬崖上开凿的。神庙前耸峙着四尊高21米的摩崖巨像，这是新王国时期拉美西斯二世自己的雕像。雕像面向东方倚山而坐，好像是从山崖中长出来的。

在埃及东北方的亚洲的西部，位于两条大河，即幼发拉底河和底格里期河，之间有一块肥沃的大平原，叫美索不达来亚，美术史家的不断发掘和研究，发现这西亚的艺术有着自己的风貌。

亚述雕刻《人首翼人牛像》浮雕《受伤的母狮》。

二、古埃及艺术给古希腊美术的影响。

西方雕塑的传统发源于古希腊和古罗马文化，但古希腊雕塑却又曾经被古埃及雕塑深深的影响过。

随着社会生产力的发展与原始公社的瓦解，世界上先后出现了最早的奴隶制国家，古埃及就是其中之一。埃及的雕塑艺术大约始于公元前4000年，建筑业的诞生，孕育了艺术装饰的萌芽。它长期保存了原始社会的残余，埃及的神话与宗教信仰支配了雕塑的形成和发展过程。神话、宗教信仰的保守性是决定埃及雕刻发展迟缓的主要原因。

埃及雕刻是为法老政权和少数奴隶主贵族服务的。由于受宗教思想意识支配，严格服从上层社会的审美观点和需要。古埃及雕刻除陵墓中一部分作品外，最有影响的还是陵前和神庙的装饰雕刻及纪念性雕刻。金字塔就是最著名的雕塑。其中最高的是胡夫金字塔，金字塔前的巨大狮身人面像采用一整块巨大岩石雕成，是古代最庞大、最著名的雕刻。

埃及雕刻达到如此卓越的成就，是埃及雕刻家经过长期的探索得来的。它的雕塑艺术在古代世界美术史留下了灿烂的一页。

古埃及雕塑的审美理想是追求永恒，而古希腊雕塑的审美理想是追求真实的美。

希腊雕刻的题材大部分取自神话或体育竞技。当时，一些开明的统治者除致力于内政武力外，还提倡发展美术和文艺，在公元前6世纪以后的几百年中，古希腊科学、文学、艺术的名家辈出成就辉煌，雕塑艺术是这个时期灿烂的文化成果的一个重要方面。

爱琴海上有许多小岛屿，其中巴罗斯岛盛产大理石，为雕刻提供了最好的材料。希腊雕刻就艺术风格的变化、发展而言，可分为古风时期、古典时期和希腊化时期。

古风时期是雕刻家的训练阶段。这个时期经过雕刻家的长期探索，为后来的雕刻家开辟了道路。其中最著名雕刻家是米隆。《掷铁饼者》是他的代表作品。古典时期，希腊人的社会思想和宗教观念起了很大的变化，雕刻艺术逐渐趋向强调人物性格情感的刻画。希腊化时期，雕刻家继承了传统的技法，赋予作品以新的生命力和新的特色。

古希腊的雕刻家们对人体有丰富的知识和高度的写实技巧。处理衣纹线条生动流畅而有变化，不仅表现出衣服的质感，而且通过衣服表现人体的优美。希腊雕刻创造了崇高、典雅、完美的人物形象。

古罗马雕刻很大程度上是在继承了希腊雕刻遗产的基础上发展起来的，且在肖像雕刻方面却有独特的贡献，这与罗马人崇拜祖先遗容的传统风俗是分不开的。

由于僧侣风俗和祭祀礼节的流行，古罗马雕刻家较多刻画着衣人物形象。罗马早期雕刻被少数奴隶主、贵族所垄断，当时的雕刻家们雕刻的不少罗马皇帝的形象，是把罗马皇帝当做英雄的统帅来表现的。如梵蒂冈博物馆收藏的一尊《奥古斯都》，表现了罗马皇帝手执权杖，正在向部下训话传令的瞬间动作。

这段时间的肖像雕塑以写实的风格见长。雕刻家们善于运用夸张、概括的艺术手法，细致地刻画人物，舍去繁琐的东西，加强运动感。除此之外，古罗马雕刻家还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。

美术史论文字范文

美术欣赏课在中学教学中的宗旨是能够培养学生的自我意识、精神和能力的创新，包括解决实际问题的能力，强调学生对美的理解和创造美的能力；重视教师教学技巧的运用；结合现代教学和多媒体设备的使用，从而促进中学美术教学向更高层次发展，全面提升学生的整体教育质量的提高。

【】。

美术欣赏课；中学教育；美术教育。

欣赏美术与进行美术都是创造的过程，整个美术欣赏过程是对欣赏者创造能力培养的一个经历路程。在美术欣赏过程中，欣赏者面对作品时，会产生各种形象特征明显的视觉感受，所以自然而然的就会使欣赏者产生种种有关于各种事物或场景等的联系与想象，从而使欣赏者在自己的这种想象与关联之中产生作品的共鸣感。而这种共鸣感则是来自于欣赏者通过对艺术者所创造出的艺术作品的感受、想象、深入体验和理解等一系列的视觉性思维活动。

所谓欣赏，作为欣赏者来说，一幅作品表现形式往往在画面上具有生动性，某一方面上容易触动观者记忆当中的某些形象画面，且作品往往来源于从生活，能够反映人们生活的真实写照，满足人们从某一感情程度上的内心情感。因为艺术形式的不同，所以对人的影响也是多方面的，从某种意义上来说，如果没有艺术欣赏，就不会有艺术教育。艺术教育作为我们的基础教育课程，是促进学生全面发展、提高学生审美的一个重要途径，也是培养个性，发展智力的方式。

美术教育是一门发展审美能力和陶冶情操的技术性学科。在美术教育进程中，情感投入是必要的环节。情感投入，一方面是教师能够把所讲述内容的情感倾注于美术课堂之中，另一方面能够引导学生学会去欣赏、体会美术作品的精神和情感。在美术课教室里,教师可以选择一些课程资源,比如剪纸或泥塑，剪纸或泥塑相对而言艺术感染力浓厚，比较浅显易懂，更容易激发学生的学习兴趣，学生的自发性学习的成效会更好，从而达到事半功倍的效果。同时也可以加入课堂户外教学，让学生体验和感受大自然的艺术魅力。在这种多样化教学中，可以丰富教学内容，同时形成一种与时俱进的创新型美术教学。

通过教学实习，笔者发现学生对美术欣赏课重视程度不够，并且兴趣不高，甚至感到美术欣赏课是在耽误时间。因此，我们应该在教育上摒弃传统的教学模式，探究新方法，让学生真正明白在中学教育中开设美术欣赏课的意义所在。

（一）提高学生的素质教育。

随着国家对教育教学改革的不断深化，培养德、智、体、美、劳全面发展的人才已成为教育教学的目标所在。美术欣赏课在素质教育体系中也起到了至关重要的作用。美术欣赏课，不仅可以提高艺术类学生的兴趣，也可以使学生能够更好的理解和认识美术作品，提高对美术作品的鉴赏和欣赏能力。

（二）提升学生的审美能力。

众所周知，在当今这样一个五彩斑斓的社会生活中，处处都有美的存在，也处处存在着欣赏美的人。欣赏是一种审美能力，欣赏优秀的美术作品，往往能引起人们内心情感的共鸣。我们在教学过程中可以运用直观的教学用具、模型、范画、多媒体、幻灯片等，帮助学生培养感知艺术美的能力，提升学生对艺术作品的审美能力。

（三）培养学生的艺术素养。

从一定意义上说，美术欣赏与美术教育是相辅相成的。美术通过作用于人的情感，从而改变人的思想，进而影响社会。美术教育可以培养性格,启迪智慧,促进学生的全面发展。

（四）促进学生的身心成长。

《美术课程标准》中指出“人的全面发展是人类努力追求的教育理想，美术课程不仅作为美育的一个重要门类促进这一理想的实现，而且，美术课程本身就包含情感与理性的因素、脑力与体力的因素，所以在促进人的全面发展方面，其作用是独特的。”[1]（p89）。如学生可以把自己的想象力运用在美术课上，利用可循环再造的废物等拼贴画或制作自己喜欢的作品，从而丰富了课堂生活，促使学生体验到美术活动的乐趣，学会了如何通过艺术的方式来表达自己的感受和想法。

（五）开阔学生的眼界和扩大知识领域。

人类生活的世界是广阔无垠和无比丰富的，对于每一幅美术作品来说，内容也是丰富多彩的，不管是从历史背景、创作理念还是其他方面来讲，每一幅画都有不同的故事和感受。欣赏任何一幅美术作品，都可以让我们接触到一些平时涉及不到的领域，同时可以陶冶学生的情操，对学生正确认识真善美和提高精神境界有极大的促进作用。

（六）与各学科之间相辅相成。

看似独立的美术欣赏课，实际上是一门多样性的科目，它与其他很多学科都有着密切联系。诸如欣赏一幅历史题材的绘画作品，从中不仅可以看到色彩、构图等方面的运用，还能从中认识到画面故事当中的历史背景、政治因素等。在欣赏过程中需要一个人充分发挥自己各方面的智力因素，如观察能力、逻辑思维能力、想象力等以及非智力因素当中的思想、情感、道德素养、兴趣爱好、意志、性格、毅力、信心等。所以说，美术与各学科之间是相辅相成、互相作用联系的。

美术欣赏课是提高中学生整体素质的宝贵资源，是完善素质教育的重要环节。通过美术欣赏课可以使学生产生情感上的共鸣，培养学生对生活和自然环境的热爱，激发学生的创造力，提高学生的综合知识素养，让学生能通过微妙和温柔的情感表达出具体的艺术作品，使他们形成正确的审美观念，从而帮助学生更好的成长。

[1]xxx教育部.美术课程标准[m].北京:北京师范大学出版社,2011.

[2]万庆华.中国当代文艺理论探索书系—艺术欣赏[m].山东:山东美术出版社,2012.